Готы как красятся: Как красить глаза и губы 🚩 как красятся готы макияж 🚩 Макияж

Содержание

Как красить глаза и губы 🚩 как красятся готы макияж 🚩 Макияж

Как следует красить глаза?

Многие визажисты советуют начинать макияж глаз с их подведения. Однако некоторые предпочитают наносить тени, а уже затем переходят к подводке.

При подведении глаз линия должна быть максимально четкой, иначе макияж будет выглядеть неаккуратно.

Если вы хотите начать с нанесения теней, то для дневного макияжа следует использовать тени телесного, золотистого или бежевого оттенков. Подойдут пастельные тона.

Темные тени можно использовать вместо карандаша и наносить на верхнее и нижнее веко по линии роста ресниц. В данном случае нужно быть уверенной в качестве теней. Низкокачественные средства через несколько часов начнут осыпаться под глаза, создавая эффект темных кругов, и забиваться в складки век.

Проведенная линия не должна быть слишком толстой. Лучше, если она подчеркнет естественные очертания глаз. Чтобы зрительно сделать взгляд более открытым, следует нанести белые или перламутровые тени под брови, а небольшая точечка в уголках внутреннего века придаст блеск глазам, поможет визуально их увеличить и освежит лицо.

Для создания вечернего макияжа подойдут более темные и плотные по текстуре тени. Не нужно бояться экспериментировать и пробовать новые варианты. К примеру, зеленоглазым подойдет сиреневая гамма, а сероглазым – голубая. На подвижное веко следует наносить более светлые тона, а на нижнее – более темные. Красить глаза следует от внутренних уголков к внешним.

Завершающим штрихом является нанесение туши. Перед этим ресницы следует завить специальными щипцами. Это поможет сделать взгляд более выразительным.

Чтобы придать ресницам дополнительный объем, можно держать кисточку горизонтально, чуть двигать ею вправо-влево, будто вы прочесываете реснички.

Как красить губы?

Перед тем как красить губы помадой, следует нанести на них немного крема или бальзам, чтобы защитить их от обветривания и пересыхания. Далее необходимо покрыть их тональной основой или базой под макияж. Данный прием поможет сделать их идеально ровными и гладкими.

Затем необходимо нарисовать контур. Как правило, для этого используется карандаш в тон помады. Чтобы контур лег мягче, карандаш можно разогреть в руках. Проводить контур лучше всего, начиная с верхней губы.

Если вы хотите сделать границу между помадой и контуром невидимой, заштрихуйте губы карандашом. Макияж губ при этом будет смотреться аккуратно и естественно. Теперь можно наносить помаду. Если же вы хотите, чтобы губы выглядели натурально, можно ограничиться обычным блеском.

Готический стиль в одежде — 108 чётких фото-примеров 2021/2022

Одежда в готическом стиле вызывает неоднозначную реакцию, от полного неприятия до неподдельного интереса и восхищения. Темные личности с непроницаемым выражением мертвенно-бледного лица, словно пришельцы из потустороннего или параллельного мира, притягивают взгляд, заставляют оборачиваться вслед с опаской или с мыслью «чертовски красиво, но мне не подойдет». Это готы. Обязательно ли принадлежать к их субкультуре, чтобы одеваться в подобном стиле – вопрос спорный. Сейчас попробуем, не меняя своего мировоззрения, приобщиться к эпатажной готической моде и внести экстравагантную нотку в образ повседневный или для особых случаев.

В этой статье:

Кратенько пробежимся по истории от средневековья до наших дней и приступим к изучению фото, подбору одежды и созданию образа очаровательной готессы или изменим отношение к этой культуре на более лояльное. Ведь ее представители – обычные люди, выражающие таким образом свою индивидуальность.


История возникновения готической моды

Мрачные нравы царили в Европе XII-XV веков. Это было жуткое и одновременно романтическое время с точки зрения современного человека. Всевластие католической церкви, беспощадные костры инквизиции, сжигающие ведьм, благородные рыцари, готовые жертвовать жизнью ради прекрасных дам.

Именно в эту эпоху зародился величественный, завораживающий холодной неприступностью стиль, названный готическим, то есть варварским, отрицающим классические каноны красоты, пропорций и гармонии. Вначале направление архитектуры, а затем и одежды, ярко выраженными острыми углами, символизировало стремление ввысь, к Богу, отрицание земной важности бытия.

Наибольшее распространение новый стиль получил во Франции. Одежда парижских модниц была вычурной и своеобразной:

  • остроконечные головные уборы и остроносые туфли;
  • затянутые корсетами тонкие силуэты;
  • шлейфы бесконечной длины;
  • зубчатые, неровные края рукавов и подолов;
  • обилие ярких орнаментов и цветочных мотивов.

Портняжное дело из простого ремесла превратилось в искусство, были придуманы все известные доныне методики кроя.

А потом мир шагнул в эпоху Возрождения, и готика канула в Лету. Попытка выйти из забвения в конце XVIII-начале XIX веков была кратковременной и неудачной. В 70-х годах XX века готика вновь ожила, придя на смену угасающей панк-культуре, не сумевшей утвердиться в своем лозунге «Жить быстро – умереть молодым».

С жизнью было более-менее все понятно, и мог справиться практически каждый. А вот тема смерти, загробного мира, вечного траура пришлась по вкусу мрачным романтикам. Их излюбленным цветом стал черный, а местами для прогулок и сборов – кладбища. Новый готический стиль окончательно оформился к 80-м годам, а в 2000-х он вышел на подиумы.

Современный стиль готов в одежде: характерные черты, отличительные особенности

Средневековье наложило отпечаток на внешний облик меланхоличных фаталистов. Но они взяли на вооружение лишь узкую, зашнурованную талию, в остальном же модные тенденции того времени имеют мало общего с обликом современных готов.

Эти гротескные личности скорее приняли роль жертвы инквизиции, явившейся в наш мир с напоминанием о вечной скорби, трауре, бренности бытия. Но поверьте, в глубине души никто из них не собирается умирать, а изысканная красота смерти – способ преподнести себя миру и быть замеченными.

Хотите безошибочно определять представителей этой субкультуры в толпе или примерить на себя одежду в готическом стиле, запоминайте основные особенности:

  • преобладание черного цвета с контрастными акцентами – белый, красный;

  • допускаются темные насыщенные тона – фиолетовый, бордовый, зеленый, синий;

  • четкие силуэты, прямые летящие линии;

  • откровенная экстравагантность с подтекстом для взрослых;

  • винтажные или суперсовременные платья сложного кроя;

  • объемные юбки, длина мини или макси;

  • жабо, кружева, сетка, шнуровка;

  • корсеты и портупеи, преимущественно поверх одежды;

  • свободные черные блузы, футболки, рубашки, водолазки;

  • эксцентричные зонтики, шляпки с вуалью, длинные перчатки;

  • массивные украшения из белого металла;

  • выразительный контраст темных волос и абсолютно белого лица;

  • нарочито небрежный агрессивный макияж в черной и кроваво-красной гамме.


Из тканей предпочтительнее:

  • бархат;
  • атлас;
  • шелк;
  • кожа;
  • винил;
  • парча;
  • тафта;
  • кружево;
  • органза.

Изрядная доля аристократизма присутствует у готов как в женском стиле, так и в мужской одежде. Длинные черные пальто и плащи, шляпа-цилиндр, в торжественных случаях – фрак, ну чем не лондонский денди. Но все же образ современной готессы заслуживает большего внимания.

Варианты самовыражения в одежде от готов

Интересным открытием для девушек может стать образ готической Лолиты. Этот стиль – один из видов японской уличной моды. Он не содержит никаких намеков на пошлость и вульгарность, а наоборот выглядит довольно изысканно и непринужденно. Характерные черты:

  • черный цвет активно разбавленный голубыми, синими, красными деталями;

  • довольно много белого – чулки, перчатки, подъюбники;

  • строгие платья с корсажами и пышными юбками;

  • кокетливо выглядывающие воротнички рубашек и кружевные панталоны;

  • элегантная длина до колена;

  • принты в готической тематике;

  • изящные шляпки с лентами, сумочки-гробики;

  • обувь на массивном каблуке или очень высокой (до 20 см) платформе;

  • мрачный макияж можно заменить макияжем с акцентом на глаза;

  • волосы – черные локоны или прямые темно-рыжие, возможны фиолетовые или красные пряди в черных волосах.

В итоге получается вполне очаровательный, женственный образ. Но готический стиль одежды весьма разнообразен. Существуют и другие направления.

  • Кибер– мрачная гамма щедро дополнена кислотными оттенками, прически – ирокезы, дреды, макияж в неоновых тонах.

  • Джей – подражание героям японского аниме, но с неукоснительным соблюдением готических правил – темной одежды и контрастного макияжа.

  • Средневековый – самая романтическая ветвь субкультуры готов: непременные корсеты, платья в викторианском стиле, длинные перчатки, кружева, шляпки.

  • Вампирский – наиболее популярный стиль. Акцент делается на обязательное присутствие насыщенно-красного цвета, символизирующего кровь и безупречную белизну кожи.

  • Корпоративный – позволяет соблюдать дресс-код в рабочей обстановке. Обычно – это строгий черный костюм с белоснежной сорочкой и немного украшений в соответствующей стилистике.



Как видите, собрать комплект одежды в современном готическим стиле, подходящий для любой обстановки, не сложно. Но это не все. Важно выдержать гармонию образа в целом, то есть превратиться гота или готессу с ног до головы.

Обувь и аксессуары

Ножки готессы будут соответствовать всем требованиям, если надеть:

  • высокие армейские ботинки;
  • сапоги на массивной платформе;
  • туфли или босоножки на широком и довольно высоком каблуке;
  • для торжественных случаев – агрессивная шпилька.

Вместо сумок – большие рюкзаки черного цвета или изящные саквояжики. Головной убор – шляпка, желательно с вуалью или лентами. Очки – чаще круглые, могут быть украшены шипами. Оригинальный аксессуар – ошейник из латекса, кожи или металла. Шипы на нем также приветствуются. Еще одна фишка – кружевной или бархатный зонтик для защиты от солнца.


Украшения – только из серебра, допускается белое золото или платина, но желтый металл абсолютно неприемлем. Это кольца, браслеты, кулоны, серьги в форме кельтских крестов, фигурок драконов, летучих мышей, кошек. Из драгоценных камней приветствуются бриллиант, сапфир, жемчуг, из полудрагоценных – все с холодным и черным окрасом.


Прически и макияж в готическом стиле

Классическая прическа стиля готов – прямые черные волосы. Неплохо придать им вид слегка грязных. Для романтического образа допустимы локоны и пышные прически. Многие готессы предпочитают окрашивать волосы в густой рыжий или пепельный цвет.

Готический макияж – это плотный слой белого грима на лице, полное отсутствие румян, черная подводка, карандаш или тени для глаз, темная или кроваво-красная матовая помада. Ногти красятся черным лаком. Высший класс, если маникюр и макияж сделаны чуть небрежно.


Кому подойдет экстравагантный образ

Готический стиль одежды на самом деле довольно универсален. Можно даже устроить нетрадиционную свадьбу. Невеста-готесса поразит гостей и надолго останется в памяти. В обычной жизни это подойдет:

  • эпатажным и молодым девушкам;
  • для оригинальной фотосессии;
  • для дружеской вечеринки или Хэллоуина;
  • любительницам черного цвета, начавшим считать его скучным;
  • желающим кардинально сменить имидж, но теряющимся в раздумьях.

Не обязательно сразу менять весь гардероб. Начните с малого и постепенно сотворите свой образ или ограничьтесь одним-двумя комплектами.

Яркие представители стиля

Самая эпатажная из известных готесс – Леди Гага. Затмить и превзойти ее практически невозможно. Но достойной соперницей может выступить американка Тейлор Момсен. Эта певица даже на красную дорожку выходит в готическом образе. Что уж говорить про сценические костюмы и обычную жизнь. Сестры Олсен также в некоторой степени тяготеют к такому направлению моды.

Если вы в восторге от этих личностей, то есть на кого равняться. Образы не вызывают симпатий – что мешает создать свой уникальный гардероб с готической изюминкой? Дерзайте!

Punk Goth. Стиль готов-ветеранов. Ирокезы, английские булавки, рваные джинсы, кожаные куртки. Практически стопроцентные панки. — КиберПедия

3. Готы- Androgyn Goth. «Бесполые» готы. Весь макияж направлен на то, чтобы скрыть половую принадлежность персонажа. Корсеты, бандажи, юбки, латексная и виниловая одежда, высокие каблуки, ошейники.

Готы — Hippie Goth. Стиль характерен для язычников, оккультистов или пожилых готов. Мешковатая одежда, капюшоны, плащи. Волосы естественного цвета, свободно ниспадающие, с вплетенными лентами. Амулеты, но не металлические, а деревянные или каменные, с изображением рун и других магических знаков.

Готы — Corporate Goth. Готы, работающие в крупных компаниях и вынужденные одеваться в соответствии с корпоративным стилем. Офисная одежда, приближенная к готичности, насколько это возможно. Никакого макияжа, минимум украшений, все строгое и черное.

Готы — Cyber Goth. Это уже новее. Киберпанковская эстетика. Активное использование техно-дизайна: шестеренки, кусочки микросхем, провода. Одежда чаще всего из винила или неопрена. Волосы выбриваются или красятся в фиолетовый, зеленый или голубой цвета.

Металли́сты (металхэ́ды или мета́леры) — это молодёжная субкультура, вдохновлённая музыкой в стиле метал, появившаяся в 1970-е годы.

Субкультура широко распространена в северной Европе, достаточно широко — в северной Америке, есть значительное количество ее представителей в южной Америке, южной Европе и Японии. На Ближнем Востоке, за исключением Израиля и Турции, металлисты (как и многие другие «неформалы») малочисленны и подвергаются преследованию.

В английском языке аналогом русского «металлист» является metalhead — «металлоголовый», «помешанный на металле». Металлистов также называют жаргонными словами headbanger — «головотряс» и mosher — «толкающийся», в соответстии с поведением фанатов на концертах. В каждом языке возникают свои производные от слова Metal для обозначения его поклонников. В испанском — Metalero, в итальянском — Metallaro, в финском — Hevari (от слова «Heavy»), в польском — Metalowcy.

Мировоззрение и образ жизни

Субкультура металлистов лишена ярко выраженной идеологии и сосредоточена, в основном, вокруг музыки. Тексты метал-групп пропагандируют независимость, самостоятельность и уверенность в себе, культ «сильной личности». Отношение к религии различно, но традиционно считается, что металлисты не религиозны. Несмотря на обилие религиозной и оккультной мистики в текстах метал-групп, они как правило не носят миссионерского характера и воспринимаются поклонниками как аллегория.

Стиль одежды

· Длинные волосы у мужчин

· Кожаная куртка «косуха», кожаный жилет.

· Чёрные футболки или балахоны с логотипом любимой металлической группы.

· Напульсники — кожаные браслеты с заклёпками и/или шипами (порки), шипастые, проклёпанные ремни, цепи на джинсах.

· Нашивки — Нашивки на одежде и прочих окружающих предметах с изображениями любимых метал-групп.

· Тяжелая обувь — «камелоты», «гриндерсы», «мартинсы», «стилы», «гады», обычные высокие ботинки. Короткие сапоги с цепями — «казаки». Туфли (как правило, остроносые, «готические» штиблеты).

· Джинсы (обычно синие или чёрные), кожаные штаны.

· Цепи, крепящиеся на пояс.

Жест

Характерный жест металлистов, известный в России как «коза» — вскинутый вверх кулак с разжатым мизинцем и указательным пальцем и направленной стороной ладони вперёд. В обиход рокеров и металлистов «козу» ввёл певец Ронни Дио (Rainbow, Black Sabbath). Ронни научила этому жесту его бабушка, суеверная итальянка. По воспоминаниям Ронни, она складывала этот знак, если встречала цыган и прочих подозрительных людей, а внуку обьясняла, что это защищает от «malocchio», «дурного глаза».

Панк, па́нки (англ. punk) — молодёжная субкультура, возникшая в середине 70-х годов в Великобритании, США, Канаде и Австралии, характерными особенностями которой являются любовь к музыке панк-рок, критическое отношение к обществу и политике. С панк-роком тесно связано имя известного американского художника Энди Уорхола и продюссированной им группой Velvet Underground. Их солист Лу Рид считается отцом-основателем альтернативного рока, течения, которое тесно связано с панк-роком. Популярная американская группа Ramones считается первой группой, игравшей музыку в стиле «панк-рок». Первыми британскими панк-группами признаны Damned и Sex Pistols.

Идеология

Панки придерживаются различных политических взглядов, но в большинстве своём они являются приверженцами социально направленных идеологий и прогрессивизма. Распространенными воззрениями являются стремление к личной свободе и независимости (индивидуализм), нонконформизм, принципы «не продаваться», «полагаться на самого себя» и принцип «прямого действия» (direct action). Другие направления в политике панков включают в себя нигилизм, анархизм, социализм, антиавторитаризм, антимилитаризм, антикапитализм, антирасизм, антисексизм, антинационализм, антигомофобию, энвайронментализм, вегетарианство, веганизм, и борьбу за права животных. Некоторые индивидуумы, имеющие отношение к субкультуре, придерживаются консервативных взглядов, неонацизма, либо аполитичны.

Внешний вид панков

Как стать готом?

В данной статье мы с вами рассмотрим особенности и отличительные черты субкультуры готов: их одежду, музыкальные, литературные предпочтения и т.д.

Для всех желающих примкнуть к рядам готов, следует отметить, что внешнее копирование макияжа и украшений для готов не сделает вас частью готического течения. Правила готов таковы, что соответствовать им могут только люди определенного склада ума и характера.

Готическое движение очень популярно и это стало причиной возникновения массы стереотипов о том, что любят и чем занимаются готы. Так, среднестатистический гражданин твердо уверен, что готы – это задумчивые и несколько мрачные девушки и парни в черной одежде, думающие о смерти и не любящие активную жизнь, предпочитая ей прослушивание заунывных и пугающих мелодий, прогулки по кладбищам и размышления.

Философия готов

Готическая эстетика на самом деле содержит в себе прямой или косвенный посыл к смерти. Стоит хотя бы обратить внимание на то, как красятся готы (бледные лица, круги под глазами), их стиль (черная одежда, характерная обувь готов — высокие черные ботинки или ботфорты со шнуровкой). Стоит также обратить внимание на то, что слушают готы. Lacrimosa, Cradle of filth, Behemoth, HIM, Arcana, Mortiis, Evanescence, Engeistaub, Ordo Equilibrio, Morthound, Nightwish и т.д. – вся эта музыка несколько мрачна, может быть пугающей, но в то же время возвышенна, торжественна, даже вдохновляюща. Готы часто предпочитают фильмы и литературные произведения, на сродную со смертью тематику, многие из них любят бывать на кладбищах. Но вместе с тем это вовсе не значит, что готы поклоняются смерти или избегают жизни. Отличительная черта готики — не смерть как фетиш, а стремление и увлечение идеей красоты абстрактного. Это расширяет границы готики практически до бесконечности, позволяя каждому найти в ней нечто подходящее для себя лично. Первые готы стремились достичь реализации своего творческого потенциала в социуме, не способном понимать глубокие мысли. Изначально готы – люди высокоинтеллектуальные и артистичные, увлеченные идеей эстетизма во всем, но при этом выступающие за искренние эмоции. Среди готов высоко ценится индивидуализм, стремление следовать собственным принципам, нежелание бездумно наследовать чужие идеи. Те, кто перенимает только внешние атрибуты готики, не стремясь постигать мировоззренческие идеи, не пользуются популярностью среди готов. Их скорее презирают, считая глупыми клоунами.

Стиль готов

Несмотря на индивидуализм субкультуры, все же можно выделить несколько признаков внешнего стиля готов:

  • готические наряды, как правило, черного цвета с добавлением красного, серого или белого. Очень часто они стилистически близки к нарядам европейского средневековья;
  • девушки-готы предпочитают стиль женщины-вамп: корсеты, кружева, ошейники, высокие сапоги, длинные перчатки и т.д.;
  • парни-готы одеваются в сдержанном, даже строгом стиле. Их образы часто мрачны, даже несколько демоничны. Такой стиль среди готов называется «Ворон». Распространены длинные плащи, высокие ботинки со шнуровкой, кожаные перчатки;
  • готы не пренебрегают украшениями, в том числе ювелирными. Но при этом они предпочитают серебро, считая золото символом низменности человеческих устремлений и ложных ценностей общества;
  • готы часто используют анкх – египетский символ вечной жизни. Это один из ключевых готических знаков. Помимо него, многие готы используют кельтские, христианские и египетские символы и знаки.

Вопреки жутким историям о самоубийствах, жертвоприношениях и оргиях на кладбищах, готы дружелюбные и мирные люди, хоть и склонны к депрессивно-пессимистическим настроениям. Если ваш ребенок увлекся готикой, не стоит паниковать. Возможно, это всего лишь дань юношескому романтизму, которая пройдет через пару лет.

 

Зачем люди красятся. Визажист Ольга Екатеринчева

Это в меру шуточный пост, как память о том, что в какой-то параллельной реальности я могла бы стать, например, социологом. Тогда решила, что слишком нерасторопна для научной деятельности в сфере, где критерии так быстро меняются, что почти любое исследование устаревает в момент проведения и, значит, надо бежать в два раза быстрее, причем, неизвестно куда. Но с тех пор, как выяснилось, что даже в математике один и тот же пример в одно и то же время имеет разный ответ, я как-то расслабилась, оказывается, это норм, когда одно и то же может считаться по-разному. Раз даже строгая наука может быть не строгой, ничего тогда, если я немного пофантазирую в своем небольшом исследовании на коленке.

Итак, вопрос — зачем и по каким причинам красятся современные люди?

Любая классическая книжка про макияж начинается с «немного истории». Как красились в Древнем Египте, что было модно в Возрождение и тому подобное. Это дает нам знание, что люди всегда были заняты примерно одним и тем же, а именно попытками как-то застолбить себя в суетном мире, куда они без спросу были на краткий миг заброшены Создателем. Кто мог себе позволить — идентифицировал себя через внешнее, т.к. это наиболее очевидно и не требует затрат, кроме материальных. Макияж, как мы его сейчас понимаем, появился от хорошей жизни — как знак того, что у человека есть ресурс заниматься не только добыванием пропитания, но и украшением себя. Иногда, правда, человек украшал себя, чтобы добыть пропитание.

А самое интересное, что оба эти направления — украшение себя для придания ценности и украшение для охоты — до сих пор работают точно так же и являются основными. Т.к. по-прежнему базовые потребности человека — хорошо питаться и иметь ценность в глазах себе подобных (иначе рискуешь сам стать пищей). К этим моментам мы еще вернемся.

Что происходит в наше время? Вот прямо сейчас в непосредственной близости — в плане перспектив макияжа и общества:

  1. бомбанули технологии и косметика как никогда классная и доступная;
  2. цивилизация движется к очередному витку матриархата;
  3. женщине, которой доступна вся полнота жизни, не нужно обязательно краситься, не нужно нравиться;
  4. мужчины хотят краситься, т.к. достаточно использовали другие сферы жизни в предыдущие века, пора и развлечься немного;
  5. мир «цивилизован» не весь и сталкиваясь с менее подвижными пластами, неплохо бы уметь их опознавать и мимикрировать чисто для выживания всех присутствующих.
  6. свободное движение информации приводит к невозможности стойкой «моды» на что либо, каких-то длительных конвенций, благодаря этому стереотипы внешности и ролевых моделей постепенно рассеиваются естественным образом.

Разберу немножко эти пункты.

1.Развитие технологий и появление хорошей дешевой косметики значит, что больше людей смогут себя украшать, цена входа доступная и, как следствие, больше возможностей для свободного творчества, а творчество всегда движет мир к чему-то новому, потому что меняет занимающихся им людей.

2—3. От женщины официально больше не требуется быть только «девочкой» и поэтому играть в специальные девочковые игрушки. Мир, выстроенный под реализацию мужчин постепенно сдает позиции в пользу равноправия, что подразумевает право существа самому решать, во что и как играть. Женщине больше не надо обязательно украшать себя с целью стать более привлекательным трофеем. Одновременно, не надо делать выбор между «умной» и «красивой», эти определения больше не в формате «или/или», а «и/или» — право человека на абсолютно любое использование возможностей.

4. Ровно по той же причине, что мир стремится к равновесию и равноправию, мужчинам постепенно открываются возможности косметики. В будущем это не «ни-ни», а те же «и/или», среднестатистический цисгендерный мужчина сможет легально пользоваться декоративной косметикой, чтобы дополнять свою личность в том объеме, в каком посчитает нужным.

5. Пункты 2—4, пока что, серьезные обобщения и допущения, т.к. действуют на тех относительно небольших пространствах, где у людей достаточно свободных ментальных и материальных ресурсов. Там, где идет активная борьба за существование или власть, тема свободного самоопределения людей слишком затратна и поэтому избыточна во многих смыслах, и поэтому будет так или иначе подавляться — и официальной властью, и ближайшим окружением.

6. Но хотел бы кто этого или нет, мир меняется с невиданной в истории скоростью и понятия «надо/не надо», «можно/нельзя», «прилично/неприлично», «уместно/неуместно», «мужское/женское», «красивое/некрасивое» и т.п. практически теряют смысл, т.к. опираются на почву, которая уже смыта или в скором времени смоется информационными и технологическими волнами и, естественно, поколениями новых людей.

Что нам с этого всего? Ну, как минимум, быть в курсе, что макияж как часть общественной жизни идет к какой-то своей новой фазе. От занятия «для девочек» к инструменту свободного высказывания. От конвенционального приукрашивания к «приукрашиванию» творческому.

И все же, как уже сказала выше, самые базовые направления остаются теми же самыми — ты либо охотишься,  либо маскируешься с той или иной целью, либо украшаешь себя просто потому, что можешь и хочешь. Это не классификация людей по типам и здесь нет хороших или плохих ролей, это роли функциональные и ситуативные, и, таким образом, они лишены оценки. В течение жизни человек может побывать во всех этих ролях, отдавая себе отчет или нет. Лучше, конечно, отдавая, потому что ясность в вопросе охотник ты или добыча никогда не помешает 🙂

Макияж: охота, маска, арт

В макияже так — лучше один раз увидеть, поэтому я долго думала, как все это показать. И решила использовать теорию множеств.

Надо еще отметить, что мне потрясающе повезло с моделью! Я хотела взять обычного человека, незнакомого, не модель, любой внешности. Главное было — желание самоотверженно работать, т.е. много часов сидеть, подставляя лицо под мои кисти и бесконечные слои краски. Вероятно, Господь меня услышал и послал читательницу моего ФБ Кристину — более комфортного человека, чтобы находиться рядом и пожелать нельзя. Своим спокойствием и готовностью делать даже самые странные вещи она мне невероятно помогла

Итак, три главных «множества» макияжа — охота, маска и арт. В каждом множестве вы видите соответствующие примеры современных макияжей, их подробно разберем ниже. В пересечениях множеств отлично разместились архетипичные собирательные образы. В центре, как и следовало ожидать, человек без макияжа, атом этой конструкции.

Я взяла по четыре примера для каждого множества, это произвольное количество, обусловленное чисто композицией картинки. На самом деле, этих примеров можно привести еще очень много и на месте этих примеров могут быть другие, это не абсолют. Для чистоты эксперимента все картинки без ретуши, работает только макияж.

Охота

Охота — важная часть жизни, была всегда и будет. Как говорится, или ты ешь медведя, или медведь ест тебя. Ты можешь быть охотником-воином (явный макияж, боевой раскрас, призывание духов и атака) или охотником который ловит в силки (макияж, не вызывающий подозрений, мимикрия и выжидание).

Естественно, речь не только об охоте на мужика, хотя это подавалось целью макияжа минувшую сотню-другую лет. В широком смысле охота — это любая ситуация, в которой человек вступает на путь завоевания своего места под солнцем. Он хочет быть заметным и угрожающим, и заслуживающим внимания. Он выделяет глаза, в которые надо смотреть, и рот, который надо слушать.

Конечно же, опять-таки, в нашей знакомой реальности «он» это чаще всего «она», т.е. женщина-охотница. Женщины все еще борются за себя, а в борьбе все средства хороши.

Собирательный образ «охота + арт» — боевой раскрас. Черный и красный — основные цвета войны, боя, охоты.

(В скобках замечу — в наше время к боевым цветам неявно добавились оттенки бежевого, но паттерн легко узнается 🙂

Современный боевой раскрас в полном объеме. Яркий, сильный воин в роскошных доспехах, сразиться с ним имеет право далеко не каждый. В ожидании подходящего соперника этот воин оттачивает уже и так совершенное искусство подачи себя.

Как ни странно, такой макияж тоже можно считать боевым. Цвета традиционные, место черного занимает белый, он тоже входит в сет цветов войны. Как бы такой белый флаг, который выбрасывают, чтобы привлечь внимание и подать знак о намерении вступить в переговоры.

Еще вариант — этот охотник своими красными губами говорит, что достаточно опасен, но не угрожает. Может, это и не охотник, а человек в маске охотника, кто знает, проверь… если хочешь испытать судьбу…

Охота, как можно заметить, самый однообразный макияж, здесь все определяет функционал. Чтобы заработали определенные кнопки, на них, в основном, давят красным и черным, просто дозируют яркость и контраст в зависимости от того, насколько тонко настроена сигнальная система противника. Этот охотник давно уже всех победил и теперь просто смотрит, как ломаются копья.

Маска

Маска — это одновременно и способ спрятаться, и способ подчеркнуть свою непохожесть или особый статус.

Если ты не охотник, но не хочешь чтобы съели тебя, то носишь либо маску, делающую тебя более опасным с виду, либо конвенциональную маску «своего», либо маску незаметности/несъедобности. Это ролевая маска.

Маска может быть игровой или ритуальной — от клоунов и гейш до шаманов и жрецов. Именно отсюда бьет огромный фонтан вдохновения всяких субкультур и современного арт-макияжа. Странные, нереальные, гипнотизирующие искажения внешности, которые ставят человека вне толпы или над толпой.

Собирательный образ «маска + охота» — классическая маскировка воина. Главное — слиться со средой, чтобы иметь возможность действовать в своих целях.

Это маска незаметности из обычной жизни, почти без макияжа. Что можно сказать про этого человека? Ничего определенного, в этом и фишка маскировки.

Когда не можешь охотиться в одиночку, либо не хочешь выступать с поднятым забралом, помогает надеть маску и затеряться в толпе себе подобных — так работает любая тусовка. Это маска современного инста-охотника, а может и инста-жертвы, не поймешь, на то она и маска.

Классика охоты — красные губы и черные стрелы, здесь с винтажным флером, как красились десятилетия с момента изобретения красной помады и черной подводки. Любая классика это маска, а маска придает уверенности. Не надо ничего исследовать или изобретать, надел то, что принято за стандарт, и ходишь спокойно. Та же история с бровями — сделал форму как у всех и на душе полегчало, все же, комфортнее не выделяться, а то, что форма тебе не идет, дело десятое…

Макияж гота как пример «субкультурной» маски. Чем субкультуры отличаются от носителей общепринято «красивых» масок, так это своей непосредственной близостью к арт-маскам и как следствие свободой, которая позволяет исследовать более глубокие и темные пласты.

Арт

Арт — это искусство, творчество, зачастую лишенное практического смысла. Это не охота, если только не охотишься на арт-дилера. Это не обязательно маска. Творчество — это особый способ взаимодействия с реальностью, дополняющий ограниченные паттерны мира «бей или беги». В творчестве проще всего найти ответ на вопрос — кто я и зачем. Человек самый доступный для самого себя объект творчества, а косметика самый доступный материал. Из этого следует большое будущее макияжа, а вовсе не его смерть, как может показаться изнутри конвенциональной парадигмы.

В творчестве человек познает себя и мир через себя и выражает свои мысли (макияж как высказывание). Этот процесс не обязательно обусловлен желанием нравиться, и не нацелен на продажу (хотя и это возможно). Все может быть артом, арт — это вопрос внутреннего состояния и отношения. Нет плохих жанров — поп-арт, классика и авангард, включая декоративно-прикладное искусство, все работает на определенных уровнях, в свой черед или одновременно.

Например, когда вам непонятен чей-то внешний вид («намалевалась как проститутка», «накрашенный мужик — пидор», «в ее возрасте такой макияж неприлично» и т.п.) — это не значит, что с кем-то что-то не так. Это значит, что по какой-то причине вы попали на выставку, к материалу которой не были подготовлены. А задача посетителя выставки — сделать над собой усилие и разобраться, что же вам хотели сказать. И это возможно. В этом огромная сила искусства — оно наводит мосты, обеспечивает коммуникацию и переносит тебя, куда и сам не ждал, откуда возможен новый старт внутри самого себя.

Собирательный образ «арт + маска» — здесь в этой картинке оказались зашиты одновременно клоун, мим, гейша, дрэг квин. Хотя рисовала только клоуна, но как-то так работает подсознание — подтянулись все остальные и неплохо ужились друг с другом

Актуальный поп-арт в макияже, поражающий тщательностью и совершенством. Этот стиль близок к ритуальной маске, т.к. позволяет попасть в касту избранных, гуру макияжа — это современные шаманы и жрецы общества потребления. Кажется, купишь вот эти блестки или помаду и царство божье на земле обеспечено.

Скромный арт, но все же арт, потому что не для войны же использовать эти голубые глиттерные стрелки. Фан, чистейший фан, просто для настроения, для себя. Этот вариант вполне традиционный, т.е. не выходит за рамки общепринятых представлений о красоте, он не меняет лицо. Но, думаю, примерно в эту сторону все пойдет, постепенно удаляясь от парадигм и паттернов в сторону экспериментов, начиная от нарисованных веснушек, заканчивая наклейками, стразами, абстрактными мазками и чем угодно еще, лишь бы каждый день был не похож на другой.

«Гей-брови», макияж-высказывание. В данном случае, конкретное и общественно ориентированное, и понятное, т.к. использует известный код. Но это не обязательно, можно покрасить брови или любую другую часть просто в желтый цвет и это будет высказывание, которое каждый зритель сам сможет наполнить смыслом. Мощный горизонт развития макияжа и инструмент познания собственной личности.

Макияж в духе «отпугиватель мужчин», да и вообще любых существ, кто с вами не на одной волне. Цвета и формы произвольные, сакральных значений не имеют. При этом формат вполне классический, работают только непривычные цвета, сделай их нейтральными и даже не заметишь такой макияж. Крутейшая, гендерно и социально независимая тема, ориентированная только на внутренний мир человека и его факт существования в данном теле единственный раз здесь и сейчас. Просто представим, что можно было бы жить именно так.

 

 *     *     *

Эта статья так построена, что выводы здесь сделаны уже в начале, поэтому сейчас мне трудно что-то еще добавить. Кроме как — люди красились, красятся и будут краситься, потому что это делает их живыми, сильными, смелыми, красивыми и свободными. Аминь.

Зачем эмо и готы вышли на улицу

Сразу в трех городах России – в Москве, Красноярске и Петербурге – прошел пикет молодежных субкультур эмо и готов. Они начали акции протеста против внесенной в Госдуму Общественной палатой «Концепции нравственного воспитания детей», которая показалась готам «объявляющей молодежные субкультуры вне закона».

В Красноярске на акцию протеста вышли около 150 молодых людей с плакатами: «Тоталитарное государство поощряет слабоумие», «Нет стадному инстинкту!», «Зачем думать одинаково?». В Петербурге и Москве протестантов вышло поменьше, но среди них были не только сторонники субкультур готов и эмо. К ним примкнули нацболы, леворадикалы из «Авангарда красной молодежи» и даже представители «Молодой гвардии «Единой России».

Самими фрондирующими из протестующих оказались сибиряки. Около 15 их активистов стояли с заклеенными красным скотчем ртами. Пикет закончился эффектным перформансом. Подростки, одетые в черное и черно-розовое, по команде организаторов сорвали красный скотч со рта и нескольких минут скандировали: «Свобода!». Затем они собрали около 150 подписей под обращением к депутатам Госдумы с просьбой оставить в покое эмо и готов и «заняться более неотложными делами».

Так они выразили свое отношение к проекту закона «О молодежи», по которому депутаты предлагают запретить российским детям как появление на улице в «неурочное время», так одеваться по собственному вкусу. Особенно «субкультурную» молодежь возмущает то, что депутаты Госдумы и эксперты Общественной палаты предлагают ввести закон, по которому в учреждениях нельзя появляться в «узнаваемых макияже, одежде и атрибутике гота и эмо». В этом представители движений увидели нарушение Конституции и ограничение свободы выражения мнения.

«Не надо путать божий дар с яичницей, — считает Игорь Гильмутдинов, депутат Государственной Думы. — Пусть они одеваются и красятся как хотят, а так же появляются в своей раскраске там, где хотят. Но ровно до тех пор, пока это не нарушает закон или корпоративную этику. Ведь нам с вами не приходит в голову приходить на работу в пижаме или гидрокостюме. И тем более заявлять, что это наше «конституционное право». Мы соблюдаем принятый обществом дресскод или устои. Вот и этим людям следует понять, что права есть не только у них, но и у людей, их окружающих. Кстати, разрабатываемый закон не запрещающий, а рамочный. В рамках этого закона молодежные организации не лишатся, а получат полномочия для решения конкретных проблем молодежного движения – в образовании, муниципальной сфере, в области трудовой и профсоюзной политики. Вот о чем закон, а не о «неформалах». В этом смысле представители субкультур абсолютно правы – у нас есть гораздо более интеллектуальные и неотложные дела, чем заниматься сиюминутной богемной блажью».

Кто такие «эмо»

Молодежь в стиле «эмо» выделяет себя среди других субкультур внешне – «эмо» носят черный цвет в сочетании с розовым или другим ярким цветом. Их «классическая» одежда — черно-розовая, где узоры также двухцветные. Различные повязки на руках и запястьях, пояса с железными бляшками, перчатки без пальцев, рюкзак с различными значками – «дополнительные опознавательные «знаки» «эмо». Так же среди «эмо» можно увидеть парня в узких джинсах, смахивающего на метросексуала, или девушку, которая предпочитает носить много железных заклепок на джинсах, браслеты на руках с черепами, ногти черного или серебристого цвета. Макияж распространен как у девушек, так и у парней. «Эмо»-макияж — это подводка глаз черным карандашом.
Прически не делятся на женские и мужские: челка, черная или темно-каштанового цвета, прикрывает один глаз.

Кто такие «готы»

Хотя и «эмо», и готы носят черное, отличить гота проще: его «униформа» — только черное. Пристрастие к черной одежде является отражением черной эстетики — берешь то, что считается злом, и делаешь это прекрасным. Макияж гота тоже экстремальнее: лицо посыпано белой пудрой, а черный контур наносится на глаза, брови и губы. Готы никогда не загорают и не посещают солярий. Они обожают «Укус змеи» — котейль из смеси светлого пива и сидра, иногда с черной смородиной. Его придумали готы после вторжения в Римскую империю в 267 году.

Среди других «средневековых» увлечений готов – остроносые ботинки и чтение фэнтези, желательно «средневековых». Еще – странные танцы: готы упорно делают два с половиной шага вперед и назад, глядя в пол и загадочно размахивая руками.

Владимир Емельяненко

Как одеваются готы? | Фото

На улицах больших городов нередко встретить людей в черном, которые именуют себя готами. Кто они такие? Откуда взялась их культура и как одеваются готы? На эти вопросы мы дадим ответы в этой статье.

Содержание:

Как возникла готическая культура?

Культуру готов следует считать музыкальным направлением, ведь они возникли из пост-панка. Культура же панков построена на отрицании существующих взглядов, а отличие проявляется в их поведении, мировоззрении и одежде. Декадентское направление панка предполагает депрессивное и мрачное состояние, которое и характеризует готов. В целом первые готы отличались от панков лишь манерой одеваться – в их одеждах доминировал черный цвет. Волосы готов тоже были черными, а украшения – серебряными. Также как панки, ранние готы носили рваные джинсы и прическу-ирокез. Первых представителей движения готов еще называли темными панками.

К 1981 году готическая культура разделилась на два направления – Appolonian и Dionysan. Представители первого движения Appolonian, не были бунтарями, они отдавали себя искусству и философии. Dionysan же напротив, были склонны к саморазрушению и считались опасными в обществе. В 1987 году оба этих направлении исчезли и слились с традиционной готической культурой.

Что представляют собой готы?

Сами готы воспринимают свое движение как протест против общественного сознания широких масс. Интересна философия готов. Представили готики, вовсе не пытаются найти смысл жизни в смерти, ведь смерть не имеет смысла, поскольку каждый человек когда-нибудь умирает. С точки зрения готов, их мрачные наряды как раз напоминают о том, что смерть может придти в любой момент, а поэтому следует жить и стремиться к жизни. Одновременно с этим готы любят бродить по кладбищу, где могут веселиться с друзьями или подолгу размышлять о бытие.

Готы – довольно мрачные замкнутые персонажи, которые несмотря на свою философию многое воспринимают депрессивно. Однако готы склонны к постоянному самовыражению, их манит мистика, колдовство и все сверхъестественное, им свойственна творческая одаренность. Готы могут писать стихи, музыку или новеллы, быть художниками и архитекторами.

Готы слушают различную мрачную музыку, ходят в музыкальные и художественные школы, среди них нет бандитов и преступников. Современные готы – это в большей степени способ самовыражения и времяпровождения, чем отдельная культура.

Как одеваются готы?

Готы предпочитают носить следующие одежды, обувь и аксессуары:

  • Цвет. В одежде преобладает черный цвет. Также допустимы красные, фиолетовые и белые вкрапления, клетчатые принты.
  • Материалы. Готы любят дорогие, приятные на ощупь ткани, такие как бархат, парча, кашемир, кружево и шелк.
  • Кружевные платья. Готическая культура начала зарождаться еще несколько десятилетий назад, в те времена, когда было модно носить кружевные пышные платья. Такие платья модно носить и сейчас. Особенно их предпочитают японки, выбирающие стиль «готическая лолита». Платья могут иметь длину выше колена и  макси-длину. Длинное кружевное платье станет прекрасным украшением готессы на званом вечере. Короткие платья девушки-готы могут носить с ботильонами и сапогами черного цвета со шнуровкой.
  • Корсет. Среди девушек-готов ценится привлекательность, ведь их тоже окружают мужчины, пусть и готы, и пусть они андрогинны. Корсет позволит сузить талию, приподнять грудь и сделать фигуру стройней. Девушки, предпочитающие корсеты имеют превосходную осанку. Корсет можно сочетать с кожаными черными брюками или юбкой.
  • Плащи. Черные кожаные длинные плащи, одна из любимых вещей готов. Их носят и девушки и парни. Для плащей характерен прямой покрой или трапециевидный силуэт.
  • Черные кожаные брюки. Имеют прямой покрой, слегка заужены книзу.
  • Юбки. Кожаные, латексные, виниловые любой удобной длины и фасона.
  • Колготы в сетку. Позволяют девушке сочетать готический и романтический образы.
  • Шелковые кофты и блузы с рюшами и воланами. Также готессы не прочь надеть кружевную блузу.
  • Обувь. Остроносые ботинки и сапоги. Это может быть и обувь с закругленными носами, и тяжелые сапоги со шнуровкой.
  • Облегающие платья с открытым декольте. Готессы не прочь произвести впечатление. Зона декольте может быть прикрыты сеточкой ли шнуровкой.
  • Болеро. Может иметь яркую меховую окантовку и одеваться в тандеме с топом в сеточку и черным бюстгальтером.
  • Блузы и рубашки с жабо. Такие шелковые и атласные блузы очень любят готы-мужчины, однако и девушки не могут оставаться равнодушными к таким нарядам.
  • Корсеты, брюки с клетчатым принтом. Также принт может располагаться на тренче, ботинках, юбках, шортах и прочих элементах одежды.
  • Корсеты, брюки, пиджаки, декорированные ремешками и пряжками. Это придает грубости стилю и делает имидж готессы брутальным.
  • Накидки. Приветствуются черные кружевные накидки, а также меховые, шелковые, кашемировые и пр.
  • Топы. Актуальны обычные повседневные топы и изделия с прорезями в области плеч, живота, спины и груди.
  • Толстовки, балахоны, худи с принтами-скелетами, черепами, крестами и прочими атрибутами готов.
  • Одежда с шипами. Это может быть бюстгальтер, куртка, брюки, плащ, сумка и т.д.
  • Свитеры. Короткие и длинные, растянутые, с эффектом поношенности.
  • Аксессуары. Веера, маленькие сумочки, шляпки, перчатки.
  • Украшения. Приветствуются серебряные украшения в средневековом стиле – браслеты, кольца, ожерелья. Актуальны черные камни, а также изделия с кельтской атрибутикой, черепами, крестами.
  • Девушки-готы делают несложные прически, просто собирают волосы в хвостик или оставляют распущенными. Популярным цветовом волос является не только черный, но и натуральный цвет. В макияже выгодно выделяются глаза (с помощью черной подводки, туши и теней), а также губы, которые красятся в красный или темный цвет. Цвет лица девушек-готов мертвенно бледный.

Виды готов и их манера одеваться

Готы разделяются на виды, среди которых можно встретить такие виды как:

  • Готы-вампиры. Образы милых вампирш навеяны сагами о вампирах. Такие барышни любят длинные платья, длинные накидки с капюшоном в средневековом стиле. В их одежде преобладают черно-красные сочетания.
  • Punk Goth. Их характеризуют прически-ирокезы и выбритые виски, английские булавки, кожаные куртки и рваные джинсы. Во многом такие готы похожи на панков.
  • Victorian Goth. Любят рассуждать на тему самоубийства, но никогда не решатся на суицид. Обожают наряды в викторианском стиле.
  • Androgyn Goth. Их одежды предполагают одежду в стиле «унисекс», которая одинаково подходит и парням, и девушкам. Представители обоих полов носят корсеты, юбки, бандажи, ошейники, высокие каблуки.
  • Hippie Goth. Его выбирают пожилые готы, оккультисты и язычники. Они носят мешковатую одежду, плащи и капюшоны. Их отличает естественный цвет волос и амулеты с изображениями древних знаков или рун.
  • Corporate Goth. Этот тип характеризует готов, которые работают в крупных компаниях и испытывают потребность в соблюдении корпоративно дресс-кода. Отсутствует готический макияж. Девушки носят черные деловые костюмы в тандеме с белой блузой. Выдать их могут лишь украшения с готическими атрибутами.
  • Cyber Goth. Носят одежды из полипропилена и винила, украшают себя микросхемами, шестеренками и прочими элементами техно-дизайна. Напоминают персонажей из фантастических фильмов. Прически немыслимы и предполагают вплетения пластмассовых прядей и силиконовых локонов. Также волосы могут быть окрашены в зеленые, фиолетовые, голубые, красные цвета.

Если приглядеться, то окажется, что готы не так мрачны, как кажется на первый взгляд. И наверняка, Вы позаимствуете некоторые элементы их культуры и стиля для своих луков, ведь мировые дизайнеры не стесняются черпать вдохновение среди представителей готической культуры.



Похожие материалы:

Следующие материалы:

Предыдущие материалы:


Готическая живопись | Безграничная история искусства

Итальянская готическая живопись

Итальянская готическая живопись приобрела отчетливо западный характер и процветала со второй половины 13 века.

Цели обучения

Объясните переход Чимабуэ и Дуччо от итало-византийского стиля к итальянскому готическому стилю живописи

Основные выводы

Ключевые моменты
  • Переход от романского к готическому стилю живописи в Италии происходил довольно медленно, потому что Италия находилась под сильным влиянием византийского искусства, особенно живописи.
  • Первоначальные изменения в романском стиле, вдохновленном Византией, были довольно небольшими, отмеченными просто увеличением готических декоративных деталей, а не драматической разницей в стиле фигур и композиций.
  • Чимабуэ из Флоренции и Дуччо из Сиены обучались византийскому стилю, но были первыми великими итальянскими художниками, оторвавшимися от итало-византийской формы искусства. Они были пионерами в движении к натурализму и изображали фигуры с более реалистичными пропорциями, выражениями и оттенками.
  • Стиль Джотто представляет собой явный разрыв с византийской традицией, используя ракурс, техники светотени и изображение очень выразительных фигур.
  • В течение 14 века тосканская живопись была преимущественно выполнена в международном готическом стиле, который характеризовался формализованной сладостью и изяществом, элегантностью и богатством деталей, а также идеализированным качеством.
Ключевые термины
  • Романский : Относится к искусству Европы примерно с 1000 г. н.э. до расцвета готического стиля в 13 веке или позже, в зависимости от региона.
  • светотень : Художественная техника, популярная в эпоху Возрождения, относящаяся к использованию преувеличенных световых контрастов для создания иллюзии объема.
  • ракурс : метод создания внешнего вида, что объект рисунка расширяется в пространство, путем укорачивания линий, с помощью которых рисуется этот объект.

Переход от романского к готическому стилю живописи происходил в Италии довольно медленно, спустя несколько десятилетий после того, как он впервые утвердился во Франции.После завоевания Константинополя в 1204 году во время Четвертого крестового похода приток византийских картин и мозаик значительно увеличился. Отчасти это было причиной того, что Италия находилась под сильным влиянием византийского искусства, особенно живописи.

Первоначальные изменения в романском стиле, вдохновленном Византией, были довольно небольшими, отмеченными просто увеличением готических декоративных деталей, а не драматической разницей в стиле фигур и композиций. Итальянская готическая живопись начала процветать сама по себе примерно во второй половине 13 века благодаря участию Чимабуэ из Флоренции (ок.1240 – с. 1302) и Дуччо из Сиены (ок. 1255–1260–1318–1319) и развил еще более реалистичный характер при Джотто (1266–1337).

Чимабуэ и Дуччо обучались византийскому стилю, но они были первыми великими итальянскими художниками, которые начали отходить от итало-византийской формы искусства. В период, когда сцены и формы все еще были относительно плоскими и стилизованными, Чимабуэ был пионером движения к натурализму в итальянской живописи. Его фигуры были изображены с более реалистичными пропорциями и оттенками, как это видно в сцене Распятия в церкви Санта-Кроче во Флоренции (1287–1288), которая демонстрирует деликатно затененные драпировки и технику светотени.Его Maestà di Santa Trinita , картина Мадонны с младенцем, заказанная церковью Санта-Тринита во Флоренции между 1290 и 1300 годами, использует перспективу в изображении трехмерного трона Марии и изображает фигуры с более сладкими и естественными выражениями, чем типичен для мрачного романского стиля.

Распятие Санта-Кроче (темпера на дереве) : Фигура Христа тяжело наклоняется в сторону и одета в изящную складчатую драпировку в картине «Распятие Чимабуэ».

Подобно Чимабуэ, Дуччо из Сиены писал в византийском стиле, но внес свой личный вклад в готический стиль в линейности, богатстве, но деликатных деталях, а также в теплых и изысканных тонах своих работ. Он также был одним из первых итальянских художников, разместивших фигуры в архитектурных декорациях. Со временем он добился большего натурализма и мягкости в своей работе, применил приемы ракурса и светотени. Его герои удивительно выразительны и человечны, нежно взаимодействуют друг с другом.Дуччо считается основателем сиенской готической школы живописи.

Maestà del Duomo di Siena (Темпера и золото на дереве) : Maestà Сиенского собора — это расписной алтарь, состоящий из множества отдельных картин. Он был заказан в 1308 году городом Сиеной и по праву считается шедевром Дуччо.

И Чимабуэ, и Дуччо, вероятно, испытали влияние Джотто в последние годы своей жизни. Джотто был известен своим характерным западным стилем, основывающим свои композиции не на византийской традиции, а, скорее, на наблюдении за жизнью.Его фигуры были твердо трехмерными, имели заметную анатомию и были одеты в одежду, которая, казалось, имела вес и структуру. Его величайшим вкладом в итальянское готическое искусство было интенсивное изображение ряда эмоций, которым его современники с энтузиазмом начали подражать. Живя в готическом стиле, он считается вестником Возрождения.

В XIV веке тосканская живопись была преимущественно оформлена в стиле интернациональной готики, преобладавшей в то время во всей Западной Европе.В своей полностью развитой форме это лучше всего видно в работах Симоне Мартини из Сиены (1284–1344) и Джентиле да Фабриано (1370–1427), чьи картины характеризуются формализованной сладостью и изяществом, элегантностью и богатством деталей. , и идеализированное качество, которого не хватало в безупречных работах Джотто. Температурные алтари Фра Анджелико преодолевают разрыв между стилями международной готики и ренессанса, используя готическую обработку, сусальное золото и блестящие цвета.

американская готика | Чикагский институт искусств

американская готика

Дата:

1930

Автор:

Грант Вуд
Американец, 1891–1942

Об этом произведении искусства

Это знакомое изображение впервые было публично выставлено в Чикагском институте искусств, благодаря чему Грант Вуд получил трехсотдолларовую премию и мгновенно прославился.Толчок к созданию картины пришел, когда Вуд посетил небольшой городок Элдон в его родной Айове. Там он заметил небольшой деревянный фермерский дом с единственным огромным окном, выполненным в стиле, называемом плотницкой готикой. «Я представлял себе американских готиков с распростертыми лицами в этом американском готическом доме», — сказал он. Он использовал свою сестру и дантиста в качестве моделей для фермера и своей дочери, одевая их так, как если бы они были «детскими копиями из моего старого семейного альбома». Детализированный, отполированный стиль и строгая фронтальность двух фигур были вдохновлены искусством фламандского Возрождения, которое Вуд изучал во время своих путешествий по Европе между 1920 и 1928 годами.После возвращения, чтобы обосноваться в Айове, он стал все более ценить традиции и культуру Среднего Запада, которые он прославлял в таких произведениях, как эта. Американская готика , которую часто понимают как сатирический комментарий к персонажам Среднего Запада, быстро стала одной из самых известных картин Америки и теперь прочно вошла в массовую культуру страны. Тем не менее, Вуд задумал, что это будет позитивное заявление о американских ценностях в сельской местности, образ успокоения во времена больших потрясений и разочарований.Мужчина и женщина в их прочном и хорошо продуманном мире со всеми их сильными и слабыми сторонами представляют собой выживших.

Статус

На просмотре, Галерея 263

Отделение

Искусство Америки

Художник

Грант Вуд

Название

американская готика

Происхождение

Соединенные Штаты

Дата

Сделано в 1930 г.

Средний

Масло на бобровой доске

Надписи

Подпись и дата внизу справа на комбинезоне: GRANT / WOOD / 1930.

Размеры

78 × 65.3 см (30 3/4 × 25 3/4 дюйма)

Кредитная линия

Коллекция друзей американского искусства

Справочный номер

1930 г.934

Расширенная информация об этой работе

История публикаций

  • «Присуждение премий на ежегодной американской выставке», Бюллетень Института искусств Чикаго, 24, вып.9 (декабрь 1930 г.): 120.
  • Бюллетень Чикагского института искусств 25, вып. 2 (февраль 1931 г.): обложка (илл.), 8, 25.
  • «Ссуды другим музеям и учреждениям», Бюллетень Чикагского института искусств: отчет за 1931 год, 26 вып. 2 (февраль 1932 г.): 70.
  • «Ссуды другим музеям и учреждениям», Бюллетень Чикагского института искусств: отчет за 1933 г. 28, вып. 3 (март 1934 г.): 71, 73.
  • «Ссуды другим музеям и учреждениям», Бюллетень Института искусств Чикаго: Отчет за 1934 год 29, вып.3 (март 1935 г.): 72.
  • «Ссуды другим музеям и учреждениям», Бюллетень Чикагского института искусств: отчет за 1935 год 30, вып. 3 (март 1936 г.): 68.
  • Фредерик А. Свит, «Полвека американского искусства», Бюллетень Института искусств Чикаго 33, вып. 6 (№ 1939): 97.
  • Анита Бреннер, «Есть ли американское искусство?», Журнал New York Times (23 ноября 1941 г.), ил. п. 13.
  • Фредерик С. Уайт, Вехи американской живописи в нашем веке, введение Ллойда Гудрича (Бостон: Институт современного искусства с Chanticleer Press, Нью-Йорк, 1949), 30, 74, ил.пл. 21, 75.
  • Алин Б. Лушхейм, «Житель Нью-Йорка посещает Институт искусств», The Art Institute of Chicago Quarterly 46, no. 2 (1 апреля 1952 г.): 23.
  • «Люди и события: портреты на телевидении», The Art Institute of Chicago Quarterly 50, no. 2 (1 апреля 1956 г.): 39.
  • Анри Дорра, Американская муза (Viking Press, 1961), 124, ил. п. 156.
  • «Беседы в летней галерее», Календарь Чикагского института искусств 65, вып. 3 (май – август 1971 г.): 18.
  • «Выбор лектора: пятнадцатиминутные беседы в галереях на лето», Бюллетень Чикагского института искусств 67, вып.3 (май-июнь 1973 г.): 11.
  • Мэтью Байгелл, Американская сцена: американская живопись 1930-х годов (Praeger Publishers, 1974), 18, 109, 110, 111, ил. 1, 12.
  • «Публичные лекции», Бюллетень Чикагского института искусств 69, вып. 4 (июль – август 1975 г.): 8.
  • «Публичные лекции», Бюллетень Чикагского института искусств 73, вып. 5/6 (сентябрь – декабрь 1979 г.): 14.
  • Ванда Корн, «Картина, ставшая символом национального духа», Smithsonian 11, 8 (ноябрь 1980 г.), 84–96, илл. п.85.
  • Wanda M. Corn, Grant Wood: The Regionalist Vision, exh. Кот. (Институт искусств Миннеаполиса / издательство Йельского университета, 1982 г.), 3, 25–26, 33, 35, 60, 128–142, pl. 32.
  • Ванда М. Корн, «Рождение национальной иконы: американская готика Гранта Вуда», Чикагский институт искусств, лекции столетия, музейные исследования 10 (Институт искусств Чикаго / Contemporary Books, Inc., 1983), 253 –275, рис. 1.
  • Davenport Museum of Art, IA, Grant Wood: An American Master Revealed (Davenport Museum of Art / Pomegranate Books, 1995), 24, 69–73, 96–98, cat.16, пл. 16.
  • Чикагский институт искусств, Чикагский институт искусств: живопись и скульптура двадцатого века, выбранный Джеймсом Н. Вудом и Тери Дж. Эдельштейн (Институт искусств Чикаго, 1996), 67, ил.
  • Джеймс М. Деннис, Регионалисты-отступники: современная независимость Гранта Вуда, Томас Харт Бентон и Джон Стюарт Карри (University of Wisconsin Press, 1998), 14, 19–20, 100–02, рис. 7.
  • Леа Россон Делонг, Главная улица Гранта Вуда: искусство, литература и Средний Запад Америки, exh.Кот. (Эймс, Айова: Художественный музей Брунье, Университетские музеи, 2004 г.), 17–18, 24, 27–29, 39, 97, 104, 106, 159, 203, 205, 207, рис. 12.
  • Томас Ховинг, Американская готика: биография американского шедевра Гранта Вуда (братья Чемберлен, 2005).
  • Стивен Биль, «Американская готика: жизнь самых известных картин Америки» (W.W. Norton & Co., 2005).
  • Сью Тейлор, «Семейный альбом Гранта Вуда», American Art 19, 2 (лето 2005 г.): 48–67.
  • Джудит А. Бартер и др., Американский модернизм в Институте искусств Чикаго, От Первой мировой войны до 1955 г. (Чикаго: Институт искусств Чикаго / Издательство Йельского университета, 2009 г.), кат. 79.
  • Лаура Хоптман, «Уайет: мир Кристины», Один на один (Музей современного искусства, 2012), 4 (илл.).
  • Duane Preble Emeritus et al., Prebles ’Artforms (Pearson, 2013), 11-е изд., 428. (ил.).
  • Шанталь Георгель, «Просо» (Citadelles et Mazenod, 2014), (ил.).
  • Картины в Институте искусств Чикаго: основные моменты коллекции (Чикаго: Институт искусств Чикаго / Издательство Йельского университета, 2017), 123.
  • Джудит А. Бартер, «Пролог: Ein neue Welt der Kunst», в Es war einmal в Америке — 300 Jahre US-amerikanische Kunst [Однажды в Америке: три века американского искусства], ред. Барбара Шефер и Анита Хахманн (Кельн: Wallraf-Richartz-Museum & Fondation Corboud / Wienand Verlag, 2018), 24, рис. 10 (ил.).
  • Эндрю Грэм-Диксон, «Американская готика» — тайна Среднего Запада Гранта Вуда », Christie’s, 22 октября 2019 г., https://www.christies.com/features/American-Gothic-A-Midwestern-mystery-10143- 1.aspx, (ил.).
  • Марта Руис дель Арбол, изд., Джорджия О’Киф, отл. Кот. (Мадрид: Национальный музей Тиссена-Борнемисы, 2021 г.), 66–67, рис. 45 (ил).

История выставки

  • Художественный институт Чикаго, Сорок третья ежегодная выставка американской живописи и скульптуры, 30 октября — 14 декабря 1930 г., кат. 207, ил.
  • Сидар-Рапидс, ИА, февраль 1931 г.
  • Академия изящных искусств Буффало, Художественная галерея Олбрайт, Двадцать пятая ежегодная выставка избранных картин американских художников, 26 апреля — 22 июня 1931 г., кат.139, ил. п. 26.
  • Галерея изящных искусств Сан-Диего, выставка современной восточной живописи [вероятно], ок. Июнь 1932 г., кат. Санта-Барбара, Калифорния, Мемориальная картинная галерея Фолкнера, гр. Август 1932 г.
  • Нью-Йорк, Музей американского искусства Уитни, Картины и гравюры чикагских художников, 28 февраля — 30 марта 1933 г., кат. 37, ил. фронтиспис.
  • Художественный институт Чикаго, Выставка живописи и скульптуры «Век прогресса», 1 июня — 1 ноября 1933 г., кат. 666, пл. 92.
  • Вашингтон, округ Колумбия, Коллекция Филлипса, ноябрь 1933 — февраль 1934.
  • Филадельфия, Музей искусств Пенсильвании, 31 марта — 10 апреля 1934 г.
  • Художественный институт Чикаго, Выставка живописи и скульптуры «Век прогресса», 1 июня — 1 ноября 1934 г., кат. 716.
  • Чикаго, Lakeside Press Galleries, ссудная выставка рисунков и картин Гранта Вуда, февраль – март 1935 г., кат. 33, ил. п. 23.
  • Нью-Йорк, галереи Фераргил, выставка картин и рисунков Гранта Вуда, март – апрель 1935 г., кат. 15.
  • Канзас-Сити, Миссури, Уильям Р.Галерея Нельсона, 2 октября — 8 ноября 1935 г.
  • Далласский музей изящных искусств, столетняя выставка, 6 июня — 29 ноября 1936 г., кат. 15, ил. п. 64.
  • Чикагский женский клуб, 20 января 1937 г.
  • Блумингтон, Иллинойс, Центральная художественная выставка Иллинойса, 19 марта — 8 апреля 1939 г., кат. 106, ил. п. 29.
  • Айова-Сити, Фестиваль изящных искусств, Зал Союза Айовы, Университет Айовы, выставка картин Гранта Вуда и Марвина Д. Коуна, 16–23 июля 1939 г., кат. 23.
  • Художественный институт Чикаго, Полвека американского искусства, 16 ноября 1939 г. — 7 января 1940 г., кат.178, пл. 46. ​​
  • Блумфилд-Хиллз, Мичиган, Академия искусств Крэнбрука, 17 мая — 6 июня 1940 г.
  • Нортгемптон, Массачусетс, Художественный музей Смит-колледжа, Американское искусство: аспекты американской живописи, 1900–1940, 12–22 июня , 1940, кат. 33.
  • Художественный музей Вустера, Десятилетие американской живописи 1930–1940 гг., 18 февраля — 22 марта 1942 г., ил. п. 23.
  • Ассоциация художников Сидар-Рапидс, Мемориальная выставка Гранта Вуда, 1 сентября — 1 октября 1942 г., без кат. См. Cedar Rapids Gazette, 06.09.1942.
  • Художественный институт Чикаго, Мемориальная выставка картин и рисунков Гранта Вуда, включенная в Пятьдесят третью ежегодную выставку американской живописи и скульптуры, 29 октября — 12 декабря 1942 г., кат.2, цвет ил. фронтиспис.
  • Нью-Йорк, Музей современного искусства, Портреты ХХ века, 8 декабря 1942 г. — 24 января 1943 г., с. 145, ил. п. 99.
  • Балтимор, Мэриленд, 12 февраля — 7 марта 1943 г.
  • Художественный музей Вустера, 17 марта — 19 апреля 1943 г.
  • Бостон, Институт современного искусства, десять американцев, 20 октября — 21 ноября 1943 г. , Кот. 29, ил.
  • Сагино, Мичиган, Художественный музей Сагино, выставка американской живописи с колониальных времен до наших дней, 10 января – 15 февраля 1948 г., кат. 71, пл. 13.
  • Далласский музей изящных искусств, известные американские картины, 9–31 октября 1948 г., n.pag., Илл.
  • Бостон, Институт современного искусства, вехи американской живописи нашего века, ок. 2 января – с. 3 марта 1949 г., кат. 21.
  • Монреаль, Канада, 18 марта — 20 апреля 1949 г.
  • Канадская национальная выставка произведений искусства, 26 августа — 10 сентября 1949 г.
  • Белойт, Висконсин, Колледж Белойт, 11 октября — 11 ноября 1949 г.
  • Дейтон, Огайо, Дейтонский институт искусств, Художник и его семья, 3 марта – апрель 1950 г., кат.40.
  • Cedar Rapids, IA, Coe College, Centennial Exhibition, 15 мая — 9 июня 1952 г., кат. 24.
  • Нью-Йорк, Вильденштейн, Достопримечательности американского искусства, 1670–1950, 26 февраля — 28 марта 1953 г., кат. 50, ил.
  • Сиракузский музей изящных искусств, 125 лет американского искусства, 15 сентября — 11 октября 1953 г., кат. 59, ил. п. 18.
  • Dubuque, IA, Dubuque Art Association, Тридцать лет Гранта Вуда, 15–23 февраля 1955 г., кат. 9.
  • Де-Мойн, Айова, Центр искусств Де-Мойна, Передача искусства из собраний Среднего Запада: американская и европейская живопись и скульптура, 1835–1955, 13 октября — 6 ноября 1955 г., кат.20, ил.
  • Давенпорт, Айова, Муниципальная художественная галерея Давенпорта, Грант Вуд и американская сцена, 3–24 февраля 1957 г., кат. 5, ил. п. 5.
  • Лейк-Форест, Иллинойс, Институт искусств Дюрана, Колледж Лейк-Форест, Век американской живописи: шедевры, предоставленные Институтом искусств Чикаго, 10–16 июня 1957 г., кат. 24.
  • Бруклинский художественный музей, «Лицо Америки: история портретной живописи в США», 13 ноября 1957 г. — 26 января 1958 г., кат. 92, рис. 41.
  • Вашингтон, округ Колумбия, Галерея искусств Коркоран, Американская муза: параллельные тенденции в литературе и искусстве, 4 апреля — 17 мая 1959 г., кат.130.
  • Художественный институт Чикаго, Искусство в Иллинойсе, в честь полувекового юбилея штата Иллинойс, 15 июня — 8 сентября 1968 г., с. 10.
  • Художественный институт Чикаго, 100 художников, 100 лет: выпускники SAIC, столетняя выставка, 23 ноября 1979 г. — 20 января 1980 г., кат. 112, ил. п. 35.
  • Нью-Йорк, Музей американского искусства Уитни, Grant Wood: The Regionalist Vision, 16 июня — 4 сентября 1983 г., кат. 25, пл. 32; Институт искусств Миннеаполиса, 25 сентября 1983 г. — 1 января 1984 г .; Институт искусств Чикаго, 21 января — 15 апреля 1984 г .; Сан-Франциско, М.Мемориальный музей Х. ДеЯнга, 12 мая — 12 августа 1984 г.
  • Омаха, Северная Каролина, Художественный музей Джослин, Грант Вуд: раскрытие американского мастера, 10 декабря 1995 г. — 25 февраля 1996 г., кат. 14, пл. 16; Давенпорт, Айова, Художественный музей Давенпорта, 23 марта — 8 сентября 1996 г .; Вустер, Массачусетс, Художественный музей Вустера, 6 октября — 31 декабря 1996 г.
  • Нью-Йорк, Музей американского искусства Уитни, Американский век: искусство и культура, 1900–1950, 23 апреля — 22 августа 1999 г., кат. 435, цвет ил. п. 225.
  • Сидар-Рапидс, Айова, Художественный музей Сидар-Рапидс, Грант Вуд на Аллее Тернер, 5, 10 сентября — 4 декабря 2005 г.
  • Галерея Ренвик, Смитсоновский институт, Студия Гранта Вуда: место рождения американской готики, 10 марта — 11 июня 2006 г.
  • Центр искусств Де-Мойна, После многих источников: Искусство на Среднем Западе в 1930-е годы, 30 января — 30 марта, 2009.
  • Художественный институт Чикаго, Америка после падения: живопись 1930-х годов, 5 июня — 18 сентября 2016 г .; Париж, Musee de l’Orangerie, 15 октября 2016 г. — 30 января 2017 г .; Лондон, Королевская академия, 25 февраля — 4 июня 2017 г., кат. 47.
  • Нью-Йорк, Музей американского искусства Уитни, Грант Вуд: американская готика и другие басни, 2 марта — 10 июня 2018 г., без кат., пл. 33, контрольный список стр. 259.

Происхождение

Художник; продан Чикагскому институту искусств, ноябрь 1930 г.

Мультимедиа

Образовательные ресурсы

Информация об объекте находится в стадии разработки и может обновляться по мере появления новых результатов исследований.Чтобы помочь улучшить эту запись, напишите нам. Информация о загрузке изображений и лицензировании доступна здесь.

15 фактов об американской готике, которые вы могли не знать

Немногие картины являются столь же знаковыми, как «Американская готика » Гранта Вуда.Постановка пьесы настолько укоренилась в американской культуре, что даже ее бесчисленные пародии и дань уважения сразу узнаваемы. Хотя этот обманчиво простой портрет явно захватил воображение нации, история его создания и прославления делает его еще более захватывающим.

1. Это мгновенно стало большим хитом.

American Gothic был представлен на ежегодной выставке 1930 года в Институте искусств Чикаго, где получил бронзовую медаль и приз в размере 300 долларов.Но это не все. Художественный институт приобрел произведение для своей коллекции. Оттуда изображение картины, получившей приз, появилось в Chicago Evening Post , затем в газетах по всей территории США, приобретая известность и популярность с каждой печатью. Восемьдесят пять лет спустя American Gothic все еще называют Институтом искусств своим домом.

2. Американская готика прославили Вуда.

До этого прорыва Вуд был неизвестным 39-летним начинающим художником, жившим на чердаке каретного двора похоронного бюро, где он жил со своей матерью и сестрой.Несмотря на то, что он трудился в безвестности, художественное образование в Европе научило его технике Вуда, что привело к его большому прорыву. После успеха American Gothic он стал чем-то вроде медиа-мошенника, часто переписывая историю и смысл своей картины, чтобы лучше соответствовать данной тенденции или повествованию. И его поклонники стали прожорливыми, иногда приезжая в дом его семьи и заходя прямо в квартиру Вуда без приглашения.

3. Вдохновение для American Gothic было настоящим и по-настоящему самобытным домом.

Летом 1930 года Вуд приезжал в Элдон, штат Айова, на художественную выставку. Находясь там, его поразил маленький белый коттедж с окном в стиле «плотницкой готики» на втором этаже, который Вуд нашел «претенциозным» для такого скромного дома. Он набросал дом на конверте, который стал основой для его самой известной картины.

4. Он сочетает в себе американскую и европейскую технику.

Вдохновленный окном, которое напоминало соборы, которые он видел в Европе во время своих тренировок и путешествий, Вуд разместил свои типично американские фигуры в «жесткой фронтальной компоновке», которая напоминает искусство Северного Возрождения, имитируя пристальное внимание этого движения к деталям.

5. Фермер действительно был дантистом.

В поисках модели для мужчины в модели American Gothic Вуд попросил одолжение у своего дантиста, 62-летнего Байрона МакКиби. Скорее всего, Маккиби чувствовал себя немного обязанным, поскольку постоянная тяга Вуда к сахару — даже к тому, чтобы положить его в салат, — сделала его клиентом, которого стоит поддерживать. Все это время в кресле для экзамена предоставило Вуду возможность осмотреть сильные руки Маккиби. О них он сказал: «Это чудесная рука. В ней есть сила.В этом есть характер ».

6. Вуд нашел жену недалеко от дома.

Первым выбором художника для женщины-модели была его мать, Хэтти. Однако он был обеспокоен тем, что длинное позирование будет для нее слишком трудным. Итак, вместо нее села его сестра Нэн. Но Хэтти внесла свой вклад, одолжив фартук и камею для костюма дочери.

7. Ни одна из моделей не позировала вместе.

Вуд расписывал дом, свою сестру и дантиста за отдельные сеансы.

8. Айовцы не были фанатами, мягко говоря.

Когда газеты в родном городе Вуда Сидар-Рапидс, штат Айова, впервые представили изображение American Gothic , картина вызвала обратную реакцию. Это суровое изображение не было таким, каким местные жители видели себя, и они возмущались, когда их так преподносят миру. Одна фермерская жена была так взбешена картиной, что пригрозила откусить Вуду ухо. Другой предложил ему «разбить голову». Вуд был ошеломлен язвой, настаивая на том, что он «верный айовец», который имел в виду не оскорбления, а только дань уважения.

9. Американская готика не изображает мужа и жену. Может быть.

Популярная подпись к картине в газетах: Фермер из Айовы и его жена , но модель-женщина на картине увидела это не так. Нэн рассказала людям, что на картине изображены отец и его дочь, возможно, потому, что ей не нравилось быть «замужем» за мужчиной вдвое старше ее. Сам Вуд болтал по этому поводу.

10. Его значение с годами изменилось.

Поначалу такие писатели, как Гертруда Стайн и Кристофер Морли, считали, что American Gothic высмеивают провинциализм маленького городка Америки. Но поскольку Великая депрессия подорвала моральный дух американцев, модель American Gothic рассматривалась как столь необходимое празднование силы духа и духа нации. Теперь его цель меняется с каждой новой пародией.

Вуд сделал сбивающее с толку заявление: «В нем есть сатира, но только так, как сатира есть в любом реалистичном заявлении.Это люди, которых я знаю всю свою жизнь. Я пытался правдиво охарактеризовать их — чтобы они больше походили на самих себя, чем они были в реальной жизни ».

11. Подпись Вуда скрыта.

Посмотрите в нижний правый угол комбинезона фермера, и вы увидите имя художника, написанное вместе с холстом (дерево) и годом (1930) бледно-голубым цветом, почти неразборчивым на его джинсовом фоне.

12. Американская готика стимулировала рост «регионализма».»

Американское реалистическое движение в современном искусстве, которое избегало урбанизма в пользу славы, присущей сельской местности, регионализм (или американская живопись сцены) достиг пика своей популярности в 1930-х годах благодаря работам Вуда, а также работ Томаса Харта Бентона из Миссури и Джон Стюарт Карри из Канзаса. Вуд играл в эту марку, всегда носил спортивные комбинезоны и заявлял прессе: «Все хорошие идеи, которые у меня когда-либо возникали, приходили ко мне, когда я доил корову».

Однако на самом деле его оттолкнули сельскохозяйственные животные.Было высказано предположение, что его склонность к комбинезонам была сплошным пиаром. Не только для того, чтобы разыграть его образ художника, но и для того, чтобы помочь скрыть — через эту кажущуюся мужественность — его гомосексуальность.

13. Дом в стиле американской готики -х годов стал туристической достопримечательностью.

Построенный в 1881 году Кэтрин и Чарльзом Диббл, дом Диббл переходил через владельцев более века, прежде чем Карл Смит подарил его Государственному историческому обществу Айовы в 1991 году. С тех пор он был преобразован в музей, посвященный Вуду и картина, которая сделала его и дом знаменитым.

14. Окна были не просто красивыми; они были практичными.

Вуд, возможно, нашел их претенциозными, но окна (одно в передней части дома, одно в задней части) были распашными, чтобы семьям было легче перемещать большую мебель внутрь и наружу, чему не мешала узкая лестница внутри. Какими бы необычными они ни казались в доме, а не в более крупном здании, таком как церковь, считается, что Дибблы выбрали свои отличительные окна из каталога Sears and Roebuck.

15. Каждый элемент добыт для смысла.

Некоторые наблюдатели предположили, что изображенный человек вовсе не фермер, а проповедник, использующий вилы как опору, чтобы ругать дьявола и его опасности. Возможно, завиток волос женщины должен изображать ее как остроязычную деву. Рикрек на ее фартуке означает намек на ценности старой школы или насмехается над ней как с устаревшими? Их выражения были прочитаны как решительные или угрюмые. Занавески на окне могут означать скрытую тайну.Означают ли герань на заднем плане меланхолию?

Вуд так и не прояснил ни один из этих пунктов, поэтому загадка и споры по поводу American Gothic бушуют спустя десятилетия после его смерти.

готическое искусство | Британника

Архитектура была самой важной и оригинальной формой искусства в готический период. Основные структурные характеристики готической архитектуры возникли в результате усилий средневековых каменщиков по решению проблем, связанных с поддержанием массивных потолочных сводов из каменной кладки на широких пролетах.Проблема заключалась в том, что тяжелая каменная кладка традиционного арочного сводчатого свода и пахового свода оказывала огромное давление вниз и наружу, которое, как правило, толкало стены, на которые опирался свод, наружу, тем самым разрушая их. Таким образом, вертикальные несущие стены здания должны были быть чрезвычайно толстыми и тяжелыми, чтобы сдерживать толчок ствола корпуса наружу.

Средневековые масоны решили эту сложную задачу около 1120 года с рядом блестящих нововведений. Прежде всего, они разработали ребристый свод, в котором арочные и пересекающиеся каменные ребра поддерживают сводчатую поверхность потолка, состоящую из простых тонких каменных панелей.Это значительно уменьшило вес (и, следовательно, тягу наружу) потолочного свода, и, поскольку вес свода теперь переносился в дискретных точках (ребрах), а не вдоль непрерывного края стены, отдельные широко разнесенные вертикальные опоры для поддержки ребер могли заменить сплошные толстые стены. Круглые арки цилиндрического свода были заменены остроконечными (готическими) арками, которые распределяли тягу в большем количестве направлений вниз от самой верхней точки арки.

Так как комбинация ребер и опор освободила промежуточные пространства вертикальных стен от их поддерживающей функции, эти стены можно было сделать тоньше и даже открыть с помощью больших окон или другого остекления.Решающим моментом было то, что внешняя тяга сводов с ребристым потолком передавалась через внешние стены нефа, сначала к прикрепленному внешнему контрфорсу, а затем к отдельно стоящему пирсу с помощью полуарки, известной как летающий контрфорс. Летающий контрфорс опирался на верхнюю часть нефа (таким образом, противодействуя выталкиванию свода наружу), пересекал низкие боковые проходы нефа и заканчивался отдельно стоящим опорным пирсом, который в конечном итоге поглощал тягу потолочного свода.

Получите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту. Подпишитесь сейчас

Эти элементы позволили готическим каменщикам строить гораздо более крупные и высокие здания, чем их романские предшественники, и придавать своим строениям более сложные планы местности. Умелое использование аркбутанов позволило построить чрезвычайно высокие тонкостенные здания, внутренняя структурная система которых из столбчатых опор и ребер усиливала впечатление высокой вертикальности.

Можно выделить три последовательных этапа готической архитектуры, которые соответственно называются ранней, высокой и поздней готикой.

Эта первая фаза длилась с зарождения готического стиля в 1120–1150 годах до примерно 1200 года. Сочетание всех вышеупомянутых структурных элементов в единый стиль впервые произошло в Иль-де-Франс (регион вокруг Парижа), где проживало процветающее городское население. имел достаточно средств, чтобы построить великие соборы, олицетворяющие готический стиль. Самым ранним сохранившимся готическим зданием было аббатство Сен-Дени в Париже, строительство которого началось примерно в 1140 году. Сооружения с такими же точными сводчатыми потолками и цепочками окон по периметру вскоре были начаты с Нотр-Дам де Пари (началось в 1163 году) и Лаонского собора (началось в 1163 году). 1165).К этому времени стало модным обращаться с внутренними колоннами и ребрами так, как будто каждая из них состоит из группы более тонких параллельных элементов. Была разработана серия из четырех дискретных горизонтальных уровней или этажей в интерьере собора, начиная с аркады на уровне земли, над которой проходила одна или две галереи (трибуна, трифорий), над которой, в свою очередь, проходил верхний, с окнами, рассказ, называемый фонарём. . Колонны и арки, использованные для поддержки этих различных фасадов, внесли свой вклад в суровую и сильно повторяющуюся геометрию интерьера.Постепенно развивался оконный узор (декоративные ребра, разделяющие оконный проем), наряду с использованием витражного (цветного) стекла в окнах. Типичный французский раннеготический собор оканчивается на восточном конце полукруглым выступом, называемым апсидой. Западный конец был гораздо более впечатляющим: широкий фасад с многочисленными окнами и остроконечными арками, с монументальными дверными проемами и увенчанный двумя огромными башнями. Длинные стороны фасада собора представляли собой непонятное и запутанное множество опор и контрфорсов.Основная форма готической архитектуры в конечном итоге распространилась по всей Европе в Германию, Италию, Англию, Нидерланды, Испанию и Португалию.

В Англии фаза ранней готики имела свой особый характер (воплощенный в соборе Солсбери), известный как стиль ранней английской готики ( c. 1200–1300). Первым зрелым образцом стиля был неф и хор Линкольнского собора (начат в 1192 году).

Ранние английские готические церкви во многих отношениях отличались от своих французских собратьев.У них были более толстые и тяжелые стены, которые не сильно изменились по сравнению с романскими пропорциями; подчеркнутые повторяющиеся молдинги по краям межкомнатных арок; экономное использование высоких, тонких, остроконечных стрельчатых окон; и опоры нефа, состоящие из центральной колонны из светлого камня, окруженной рядом более тонких колонн из черного мрамора Пурбек.

Ранние английские церкви также установили другие стилистические особенности, которые должны были отличать всю английскую готику: большая длина и мало внимания к высоте; почти равный акцент на горизонтальных и вертикальных линиях струнных и возвышенностей интерьера; квадратное окончание восточного торца здания, а не полукруглый восточный выступ; скудное использование аркбутанов; и фрагментарная асимметричная концепция первого плана церкви.Другими выдающимися примерами раннего английского стиля являются неф и западный фасад Уэллсского собора ( c. 1180– c 1245), а также хоры и трансепт Рочестерского собора.

Западный фасад Уэллсского собора, Сомерсет, Eng.

А.Ф. Керстинг

Знаменитые готические картины — взгляд на наиболее влиятельное искусство готического периода

Готическое искусство, являвшееся стилем средневекового искусства, развивалось некоторое время в течение 12 века.Хотя большинство произведений искусства этого жанра представляли собой архитектурные конструкции, такие как соборы и витражи, а также скульптуры и иллюминированные рукописи, были также созданы некоторые известные панно и фрески. Несколько ключевых художников выделялись во время искусства периода готики, поскольку они создавали самые известные картины. Сегодня большинство примеров известного готического искусства, подробно описанных ниже, существуют как заметные произведения в истории искусства.

Что такое движение готического искусства?

Также известное просто как готическое искусство, это движение возникло в Северной Франции после начала романской эпохи в начале 12 -х годов века.Быстро распространившись по Западной Европе, а также по большей части Центральной, Северной и Южной Европы, Gothic art продемонстрировал немедленную популярность этого стиля с момента его появления. Главной формой искусства этого периода искусства была готическая архитектура , , которая развивалась вместе с прогрессом общего готического искусства.

Италия оказалась изначально незатронутой этим новым стилем, поскольку художники в стране все еще находились под сильным влиянием техник византийского искусства и техник в течение этого периода.Таким образом, переход от романского искусства, вдохновленного Византией, к готическому искусству был медленным, с едва заметными намёками на готические элементы, появлявшиеся в небольших областях, например, с декоративными деталями вначале.

Чимабуэ и Дуччо, которые считались двумя величайшими итальянскими художниками средневековья, были первыми художниками, которые заметно отошли от византийской формы искусства в пользу готического искусства.

Воскрешение Лазаря (1310-1311) Дуччо ди Буонинсенья; Duccio di Buoninsegna, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Благодаря огромному вкладу Чимабуэ и Дуччо, они стали первопроходцами в дальнейшем развитии знаменитого готического искусства.В конечном итоге они работали под руководством Джотто, который продолжал развивать и влиять на еще более реалистичных персонажей в своих работах. Ко второй половине 13–905–14– века итальянская готическая живопись, наконец, начала процветать сама по себе. Произведенные произведения искусства продемонстрировали более прямой переход к натурализму, поскольку картины и скульптуры изображали фигуры с более реалистичными размерами, выражениями и оттенками.

Живопись готического периода была представлена ​​в четырех основных стилях, включая панно, фрески, освещение рукописей и витражи.

Начали развиваться некоторые техники, такие как использование ракурса , и светотени для изображения очень запоминающихся фигур. По мере роста популярности стиля готические картины в виде фресок были заменены большими разноцветными витражами в церквях и соборах. Таким образом, самые известные готические картины, известные сегодня, составляли часть этих архитектурных сооружений.

Освобождение Святого Петра (1444) Конрад Витц; Конрад Витц, общественное достояние, через Wikimedia Commons

10 самых известных готических картин

Движение готического искусства оказалось очень влиятельным, поскольку привело к созданию некоторых из самых красивых произведений в истории искусства.Большинство известных произведений готического искусства, которые существуют, были выполнены в сильно религиозном тоне, поскольку их целью было размещение в церкви, соборе или монастыре.

Хотя можно рассмотреть много не менее значительных картин и даже больше скульптур, мы рассмотрим 10 самых известных готических картин всех времен.

Maestà di Santa Trinita (1283-1291) от Cimabue
Художник Чимабуэ
Дата окраски 1283–1291
Средний Панель, темпера
Размеры 385 см x 223 см (152 x 88 дюймов)
Где находится сейчас Галерея Уффици, Флоренция

Итальянский средневековый художник Чимабуэ написал Maestà di Santa Trinita первоначально для церкви Санта-Тринита во Флоренции, где она оставалась до тех пор, пока ее не раскопали для размещения в официальной галерее Уффици.Maestà di Santa Trinita , считающаяся готической картиной с заметными элементами эпохи Возрождения, представляла Мадонну с младенцем, сидящую на золотом троне, предположительно находящуюся на Небесах.

Санта-Тринита-Маэста (Мадонна на троне; Мадонна с младенцем на троне с восемью ангелами, Мадонна Санта-Тринита) (1290-1300) Чимабуэ; Чимабуэ, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Четыре ангела изображены по обе стороны от Мадонны в симметричном узоре, поскольку все они держат башни, как бы поддерживая их.Лица только двух ангелов на самом верху обращены к ней, а остальные смотрят куда-нибудь. Когда ангелы накладываются друг на друга, их крылья образуют узор, который, кажется, различается по цвету, что помогает направить взгляд зрителей вверх, чтобы сосредоточиться на Мадонне таким образом, чтобы подчеркнуть их важность.

Ниже этого небесного изображения помещены портреты четырех важных пророков, которые смотрят сквозь три арки. Их введение помогло завоевать авторитет и силу, связанные с традициями.В Maestà di Santa Trinita Чимабуэ продемонстрировал заметный отход от плоских изображений и стилизованных фигур византийского стиля.

Это было видно через добавление движения в этой работе, когда Чимабуэ пытался добавить движения через натуралистическую драпировку одежды Мадонны.

Мадонна Ручеллаи (1285) Дуччо
Художник Дуччо
Дата окраски 1285
Средний Золото, темпера, панно
Размеры 450 см x 290 см (180 дюймов x 110 дюймов)
Где находится сейчас Галерея Уффици, Флоренция

Мадонна Ручеллаи существует как старейшее и наиболее известное произведение, написанное готическим художником Дуччо.Первоначально он был заказан для церкви Санта-Мария-Новелла во Флоренции общиной, которая регулярно собиралась в церкви, чтобы воспевать Мадонну. В 1591 году он был перенесен в более крупную семейную часовню Ручеллаи, а в начале -х годов века — в галерею Уффици.

Мадонна Ручеллаи (ок. 1285) Дуччо; Duccio di Buoninsegna, CC BY 2.0, через Wikimedia Commons

Известная как крупнейшее панно 13 века в истории, Мадонна Ручеллаи изображает Богородицу с младенцем, сидящими на золотом троне в окружении шести ангелов.Показано, что ее плечи покрыты знаменем, символизирующим ее честь и репутацию, в то время как Младенец Христос носит традиционные древние красно-золотые одежды вокруг талии. Говорят, что с протянутой правой рукой Младенец Христос дарует благословение.

Кажется, что каждый из шести ангелов преклоняет колени на месте, что создает впечатление, что они временно приостановлены во времени.

Считалось, что это произошло потому, что Мадонна Ручеллаи считалась проявлением святого образа, который обычно видели прихожане.Боковой угол трона, а также слегка наклонное положение Богородицы демонстрируют технику, часто используемую художниками в течение 13 годов века, чтобы добавить элемент пространственной глубины своим картинам.

Бегство в Египет (1304-1306) Джотто
Художник Джотто
Дата окраски 1304–1306
Средний Фреска
Размеры 200 см x 185 см (78 дюймов x 73 дюйма)
Где находится сейчас Капелла Скровеньи, Падуя, Италия

Знаменитый итальянский художник Джотто написал множество невероятно известных произведений искусства, о которых до сих пор говорят.С его стилем, пересекающимся между поздним готическим искусством и прото-ренессансом, в его картинах можно увидеть смесь техник. Одна из его значительных фресок включает «Бегство в Египет », основанную на библейской истории, взятой из Матфея 2:13 — 23. В настоящее время ее все еще можно посетить в капелле Скровеньи в Италии

Картина Джотто изображала бегство в Египет, в результате которого Иосиф бежал в Египет с Марией и их сыном Иисусом после того, как его посетили три царя, известные как волхвы.История гласит, что после этого визита Иосифу во сне явился ангел, который велел ему уйти, поскольку царь Ирод планировал убить младенца. В то время как Джотто назвал свою картину термином «полет», зрители вместо этого видят медленную процессию, происходящую в пустыне.

№ 20 Сцены из жизни Христа : 4. Бегство в Египет (1304–1306) Джотто; Джотто ди Бондоне, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Поскольку фигуры движутся в спешке, создается впечатление, что это путешествие очень важно.

Создав тонкую композицию, Джотто целенаправленно поместил в свою картину как людей, так и животных. Осел, на котором сидят Мария и Иисус, изображает основание пирамиды на заднем плане, в то время как Мария и ее сын являются вершиной сооружения. Включение осла продемонстрировало смирение, с которым Иисус Христос появился в этом мире. Изображенный всего лишь беззащитным младенцем, сидящим на простейшем из животных, The Flight of Egypt изображает их поиск убежища.

Поклонение волхвов (1305) Джотто
Художник Джотто
Дата окраски 1305
Средний Фреска
Размеры 200 см x 185 см (78 дюймов x 73 дюйма)
Где находится сейчас Капелла Скровеньи, Падуя, Италия

Еще одним известным произведением готического искусства, созданным Джотто, было Поклонение волхвов , которое также находилось в часовне Скровеньи в Италии.Эта картина входит в серию из семи других картин, изображающих жизнь Христа, и все они были написаны Джотто. Поклонение волхвов — это традиционно титул, данный субъекту Рождества Иисуса, который представляет трех волхвов, которые отправились в Вифлеем, чтобы навестить младенца.

Поклонение волхвов (1303) Джотто; Джотто ди Бондоне, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Джотто создал эту фреску по образцу библейской истории о трех волхвах, посетивших младенца Иисуса и даровавших ему дары золота, ладана и смирны.Поскольку на протяжении десятилетия в искусстве появлялось множество различных изображений этой истории, картина Джотто «Поклонение волхвов» существует как яркая, но мягкая передача этой истории.

Когда оно было впервые нарисовано, небо было ярко-синим, что подчеркивало Вифлеемскую звезду, представленную летящей кометой в центре неба, которая, как полагают, напоминала комету Галлея.

Единственный другой яркий цвет, который можно увидеть в работах Джотто, — это бордово-красный цвет платья Марии, который сильно контрастировал с бежевым и белым, которые носили другие фигуры.Это также использовалось, чтобы привлечь внимание к ней, когда она рассматривала произведение, поскольку объект фрески, на котором изображен младенец Иисус, сидит у нее на коленях. Кроме того, простота, используемая для изображения кроватки и фона, позволяет незначительным элементам сливаться, пока не будут сосредоточены только самые важные аспекты.

Оплакивание (Оплакивание Христа) (1306) Джотто
Художник Джотто
Дата окраски 1306
Средний Фреска
Размеры 200 см x 185 см (79 дюймов x 73 дюйма)
Где находится сейчас Капелла Скровеньи, Падуя, Италия

Третье известное произведение готического искусства, созданное Джотто и находящееся в капелле Скровеньи, — это Плач (Оплакивание Христа) .Эта картина являлась частью более крупной фрески, которую Энрико Скровеньи поручил сделать его надгробным памятником и формой искупления за грехи его отца, совершенные в католической церкви.

На этом произведении поздней готики изображен скорбящий Христос, которого поддерживает его мать, в то время как Мария Магдалина держит его за ноги, а другие плачущие окружают его.

№ 36 Сцены из жизни Христа : 20. Плач (Оплакивание Христа) (1304–1306) Джотто; Джотто ди Бондоне, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Когда несколько ангелов летят над Христом, два апостола изображены стоящими у каменной стены, которая эффективно отделяла человеческую сцену от небес.Поза ангелов, а также их опущенные крылья передают их божественное напряжение в ситуации, свидетелями которой они являются. Композиция, разработанная Джотто, помогла подчеркнуть лицо мертвого Христа как фокус, поскольку лица всех людей обращены к нему.

Отношение Джотто к человеческим эмоциям как к реалистичному и мощному инструменту проявляется в Плач (Оплакивание Христа) . И язык тела, и выражение лиц скорбящих передают их глубокую боль и горе в связи со смертью Христа с изображенной очень мрачной сценой.

Огниссанти Мадонна (1306) Джотто
Художник Джотто
Дата окраски 1306
Средний Панель, темпера
Размеры 325 см x 204 см (128 дюймов x 80 дюймов)
Где находится сейчас Галерея Уффици, Флоренция

Последним произведением искусства, созданным Джотто, которое мы включили в наш список, является его Мадонна Огниссанти , которая, как известно, является очень важной вехой в истории искусства.Будучи большим алтарем, Мадонна Огниссанти была написана для церкви Огниссанти во Флоренции, откуда и получила свое название. По ходу истории эта картина также была известна под названием Мадонна на троне .

Мадонна Огниссанти (Мадонна на троне) (ок. 1300–1305) — Джотто; Джотто ди Бондоне, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Следуя очень традиционному христианскому сюжету, Джотто написал Деву Марию с младенцем Христом, сидящим у нее на коленях, в окружении ангелов и святых.Это конкретное изображение Девы Марии называлось «Маэста», что оказалось очень популярной версией в то время. Это изображение можно увидеть в книге Чимабуэ Maestà di Santa Trinita (1283 — 1291).

Джотто изобразил Деву Марию с младенцем твердыми, четко очерченными фигурами, которые, казалось, прочно восседали на троне. Они также были написаны более правдоподобно и по-человечески, что продемонстрировало его отход от плоских поверхностей. Посещение Марии на троне демонстрирует стремление Джотто к перспективе, поскольку ее присутствие на стуле помогает передать идею реального окружения.

Кроме того, складки на одежде, которую носят все фигуры, вносят движение в работу, что является еще одним подтверждением реальности.

Maestà del Duomo di Siena (1308-1311) от Duccio
Художник Дуччо
Дата окраски 1308–1311
Средний Дерево, темпера, золото
Размеры 213 см x 396 см (84 дюйма x 156 дюймов)
Где находится сейчас Museo dell ‘Opera Metropolitana del Duomo, Испания

Среди многих известных готических картин, созданных Дуччо, есть его Maestà del Duomo di Siena , которое было заказано городом Сиена, Италия в 1308 году.Эта картина существует как самое значительное произведение в его карьере, так как это, возможно, величайшее панно из когда-либо созданных.

На этом двустороннем алтаре изображена большая Мадонна с младенцем, сидящая на троне на лицевых панелях, которые с обеих сторон окружены множеством святых и ангелов на соседних панелях.

Картина Дуччо, идущая по стопам многих других произведений искусства с изображением Девы Марии с младенцем в течение 14 годов века, на сегодняшний день является самой красивой и экстравагантной из когда-либо написанных.И снова Мадонна с младенцем изображены сидящими на золотом троне, что помогло сосредоточить внимание на них как на главных фокусах картины.

Маэста дель Дуомо ди Сиена (1311) Дуччо; Duccio di Buoninsegna, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Дуччо включил пределлу под картиной, на которой изображены семь сцен из детства Христа. Над средней панелью также были изображены пики жизни Девы Марии, в то время как вся задняя часть картины была покрыта различными сценами из жизни Христа.

Сегодня главную панель можно найти в Museo dell ‘Opera Metropolitana del Duomo в Сиене, а другие панели из алтаря находятся в Национальной галерее в Лондоне, коллекции Фрика в Нью-Йорке и Национальной галерее искусства. в Вашингтоне, округ Колумбия,

Благовещение со св. Маргаритой и св. Ансаном (1333) Симоне Мартини и Липпо Мемми
Художник Симоне Мартини и Липпо Мемми
Дата окраски 1333
Средний Панель, темпера, золото
Размеры 305 см x 265 см (120 дюймов x 104 дюйма)
Где находится сейчас Галерея Уффици, Флоренция

Благовещение со св.Маргарита и святой Ансан были написаны итальянскими готическими художниками Симоне Мартини и Липпо Мемми и первоначально предназначались для бокового алтаря в Сиенском соборе. Центральная панель считается одним из шедевров Мартини, поскольку она демонстрирует его новаторское использование линий, объединенное с ощущением движения и человеческого выражения. Говорят, что помимо пророков Мемми нарисовал святую Маргариту справа и святого Ансана слева, несмотря на то, что его произведениям не хватало изысканности Мартини.

На центральной панели, которая считается наиболее важным аспектом работы, изображено Благовещение.

Благовещение и два святых (1333) Симоне Мартини и Липпо Мемми; Симоне Мартини, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Архангел Гавриил, несущий оливковую ветвь, изображен стоящим на коленях перед Марией, которая опознается с правой стороны панели по ее темной мантии. Говорят, что Гавриил сообщил ей, что она скоро будет рожать с сыном Божьим.Однако лицо Мэри изображено с выражением недоверия, поскольку она, кажется, отшатывается от этого объявления.

Между этими двумя фигурами можно увидеть вазу с лилиями, которая, как говорят, символизирует чистоту. Над ними видна группа ангелов, переплетавших свои крылья, с латинскими словами «Радуйся, Мария, благодатная, Господь с тобой». Эти работы вытеснены диагональной линией, идущей от уст ангелов к Марии.

Коронация Девы Марии (1432) Фра Анджелико
Художник Фра Анджелико
Дата окраски 1432
Средний Панель, темпера
Размеры 112 см x 114 см (44 дюйма x 45 дюймов)
Где находится сейчас Галерея Уффици, Флоренция

Еще одним известным готическим художником был Фра Анджелико, который написал «Коронация Девы Марии» .Между 1434 и 1435 годами Анджелико написал еще одно идентичное произведение, также названное Coronation of the Virgin , которое сегодня можно найти в Лувре в Париже. В период ранней готики коронация Марии была одним из самых распространенных предметов, изображаемых художниками, и эта картина не является исключением.

Incoronazione della Vergine ( Коронация Богородицы) (1434-1435) Фра Анджелико; Фра Анджелико, общественное достояние, через Wikimedia Commons

На этой готической картине с позолоченным фоном Анджелико изображает коронацию над раем.В центре работы изображен Христос, венчающий Богородицу. Обе эти фигуры окружены яркими солнечными лучами, которые использовались для обозначения божественного света.

Подобно другим картинам и готическим рисункам, созданным Анжеликой, это произведение имеет мистический оттенок.

Под Христом и Девой Марией изображена большая толпа святых, ангелов и других благословенных фигур, которые усиливают акт коронации. Примечательной фигурой в толпе является Мария Магдалина, которую можно увидеть стоящей на коленях справа среди святых женщин.В последний ряд зрителей входят ангелы-музыканты, вооруженные длинными тонкими трубами. Вся композиция «Коронация Девы Марии» , наряду с великолепным использованием цвета, демонстрирует огромное влияние, которое на него оказал учитель Анджелико.

Мадонна с младенцем (1480) Карло Кривелли
Художник Карло Кривелли
Дата окраски 1480
Средний Дерево, темпера, золото
Размеры 36.5 см x 23,5 см (14,3 дюйма x 9,2 дюйма)
Где находится сейчас Музей современного искусства Метрополитен, Нью-Йорк

Последнее произведение искусства, которое мы включили в наш список самых известных готических картин, — это Мадонна с младенцем , написанная Карло Кривелли. Работа, первоначально созданная для церкви Сан-Франческо-ад-Альто в Анконе, Италия, считается разнообразной, поскольку на ней видны различные художественные элементы. Мадонна с младенцем , прекрасно сохранившаяся на протяжении многих лет, считается самой изысканной картиной, когда-либо созданной Кривелли.

Мадонна с младенцем (ок. 1480) Карло Кривелли; I, Sailko, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Изображена Мадонна, похожая на фарфор, в роскошной мантии, которая пытается удержать младенца своими невероятно изящными руками. Младенец Иисус крепко сжимает щегла, сидящего на небольшой подушке на выступе стены.Ореолы, которые носят Мадонна с младенцем, покрыты драгоценными камнями, которые создают впечатление экстравагантных тарелок, в отличие от более небесного качества, которое обычно использовали многие коллеги-художники Кривелли.

В этом произведении искусства Кривелли создает меланхоличную атмосферу, поскольку выражение лица Мадонны почти предвещает природу последних дней Христа на земле. Это еще больше усиливается изображением младенца Иисуса на этом произведении искусства, который в то время был просто невинным ребенком.Говорят, что включение щегла с его ярко-красной головой также указывает на это затруднительное положение, поскольку этот цвет напомнил зрителям кровь из головы Христа, когда он был увенчан терновым венцом при распятии.

После просмотра нашего списка 10 самых известных готических картин, которые будут созданы, в большинстве работ можно увидеть очень похожие темы и сюжеты. Эта эпоха оказалась очень значительным художественным периодом, поскольку в это время были созданы некоторые из самых изысканных религиозных готических рисунков и картин.Тем не менее, многие другие не менее известные работы были созданы в период готического искусства. Если вам понравилось читать картины выше, мы рекомендуем вам изучить других художников и картины, которые были созданы.

Готическая живопись: стиль и характеристики — видео и стенограмма урока

Итальянские готические панели, фрески и фрески

В эпоху готики витражи стали основной формой внутреннего убранства церкви.Другие формы внутреннего убранства, такие как фрески, фрески и мозаика, вышли из моды. Исключением из этого правила является Италия, где огромные окна в готическом стиле так и не достигли центральной декоративной роли, отведенной им к северу от Альп. Вместо этого фрески, фрески и другие формы живописи оставались важной формой церковного убранства в Италии.

Одна из самых захватывающих вещей в этой итальянской готической живописи заключается в том, что впервые за долгое время у нас действительно есть имена для большинства художников этой эпохи, таких как Чимабуэ, Дуччо, Джотто, братьев Лоренцетти и Джентиле. Да Фабриано.Наблюдая за работой этих художников, мы можем увидеть две тенденции, развивающиеся в итальянском готическом искусстве: все более реалистичные фигуры и использование перспективы в живописи. Эти тенденции в конечном итоге привели к итальянскому Возрождению.

Вплоть до этого момента в истории христианской живописи реализм не считался главным приоритетом. Фактически, христианское отвращение к изображениям (как форма идолопоклонства), похоже, отодвинуло в противоположном направлении от реализма.

В эпоху готики мы наблюдаем разворот этой тенденции, поскольку готическая живопись становится все более реалистичной.Мы можем увидеть постепенное усиление реализма, сравнив взгляды трех разных художников на одну и ту же тему — Деву Марию, сидящую на троне, держащую младенца Христа в окружении святых и ангелов. Эта тема была популярна в готической Италии и получила название Мадонна на троне . Первый Мадонна на троне , который мы рассмотрим, был написан около 1280 года Чимабуэ, художником из Флоренции. Обратите внимание на установленные позы этих фигур с их последовательно странным расположением головы и плоскими мрачными выражениями лиц.

Теперь давайте перенесемся примерно на 30 лет вперед к аналогичной сцене на Алтаре Маэста, завершенной в 1311 году тосканским художником по имени Дуччо. Обратите внимание, насколько более естественны эти позы. Никаких странных изгибов шеи. Обратите внимание на использование затенения, чтобы придать этим лицам округлую глубину, и посмотрите на выражения на этих лицах. Сравните нежные взгляды ангелов Дуччо с мрачными взглядами Чимабуэ.

Наконец, давайте вернемся во Флоренцию, чтобы увидеть аналогичную работу Джотто, выполненную примерно в то же время, что и работа Дуччо в 1310 году.Джотто освоил затенение, которое мы видели в Дуччо. Обратите внимание на нюанс блузки Мэри, больше, чем на естественные линии под ней. Вместо стандартных выражений Дуччо мы видим, как каждый человек выражает свой трепет уникальными способами. Эти фигуры настолько реальны, что их нимбы выглядят неуместно. Эти эксперименты ранних итальянских художников возродили славу классического искусства и проложили путь к захватывающему дух реализму эпохи Возрождения.

На этой картине показано использование внутренней перспективы.

Ранние попытки в перспективе

И все же, возможно, еще более удивительным, чем создание реалистичных фигур, является готическое исследование перспективы.В этом отношении готические художники не просто возвращали себе классическую славу. Римлянам, похоже, тоже не повезло с перспективной живописью — помимо простых иллюзий помпейского стиля.

Мы можем видеть развитие итальянской готической перспективы в двух основных формах: внутренняя перспектива, обеспечивающая глубину замкнутого пространства, и внешняя перспектива с четко обозначенными передним планом, средним планом и фоном.

Мы можем увидеть первые шаги к внутренней перспективе в детали из Maesta Altar Дуччо.В отличие от предыдущих произведений искусства, в которых фигуры стоят перед плоским задником, эти фигуры существуют внутри замкнутого пространства. Вроде как ниша в картине, как архитектурный корпус готической скульптуры.

Мы видим развитие этой тенденции в Рождение Богородицы Пьетро Лоренцетти. В этой картине мы видим еще большее владение глубиной, и кажется, что каждая фигура полностью занимает это трехмерное пространство. Мы также видим, как дополнительные архитектурные элементы находят свое отражение в живописи, например, красиво выполненный потолок с ребристым сводом над нашими фигурами.

Развитие внутренней перспективы впечатляет, но не настолько, как постепенное улучшение внешней перспективы. Мы являемся свидетелями начала этой тенденции в работах Дуччо, таких как эта картина Христос входит в Иерусалим , завершенная около 1311 года. Здесь мы видим несколько больших попыток создать глубину на архитектурном фоне с аркой, выступающей в средний план. Однако мы также можем видеть, что Дуччо не имеет представления о том, как человеческая форма реагирует на расстояние.Вместо того, чтобы уменьшаться по мере того, как они удаляются, эти фигуры, кажется, на самом деле становятся больше, когда они продвигаются к воротам.

За следующие 30 лет итальянские художники стали лучше разбираться в перспективе. Сравните смущение Дуччо с перспективой в 1311 году с мастерством Амброджо Лоренцетти формы на его фреске The Effects of Good Government , завершенной в 1339 году. Здесь мы видим несколько слоев фона и переднего плана с фигурами подходящего размера, помогающими нам оценить глубину .Хотя некоторые из этих слоев все еще немного плоские, их порядок и расстояние все еще довольно ясны.

В этом произведении Лоренцетти продемонстрировал сильное чувство внешней перспективы.

Эти два развития, направленные на большую реальность и более сильное чувство перспективы, объединились, достигнув своей готической вершины почти столетие спустя в творчестве Джентиле да Фабриано. В его Поклонении волхвов мы видим непрерывный поток очень реалистичных людей, извивающийся из трех красиво оформленных городов к скромному убежищу новорожденного Христа.Эта картина многими считается кульминацией готической живописи.

Северная готическая живопись: иллюминация

В то время как итальянские художники были заняты росписью фресок и алтарей, художники Северной Европы, должно быть, чувствовали себя немного обделенными. Основным направлением североевропейского декора были скульптуры и витражи. В этих церквях было мало мест для росписи фресок.

Вместо того, чтобы украшать свои соборы изнутри, североевропейским художникам приходилось довольствоваться росписью изнутри своих Библий. Освещение , или искусство иллюстрирования рукописей, оставалось основной формой живописи на Севере. На эти иллюминации сильно повлияли готическая скульптура и витражи. Мы можем видеть это влияние в архитектурном обрамлении Псалтири Святого Людовика и в натуралистических позициях Давида и Голиафа на этой странице из молитвенника Филиппа Прекрасного.

Эти иллюминации должны показаться довольно примитивными по сравнению с шедеврами, которые мы видели в Италии.Тем не менее, уроки, извлеченные этими итальянскими готическими мастерами, в конечном итоге нашли свое отражение в североевропейской иллюминации. Все разработки, которые мы наблюдали у итальянцев, в конечном итоге соединились в одном из самых известных иллюстрированных текстов всех времен: Les Tres Riches Heures du Duc de Berry . Этот молитвенник, иллюстрированный знаменитыми братьями Лимбургами, следует известной средневековой теме: труды месяцев.

Иллюстрации крестьян и князей во время их сезонных заданий демонстрируют все достижения, которые мы видели в готической Италии: беспрецедентный реализм и растущее мастерство перспективы.В этом освещении мы также становимся свидетелями рисования новых вещей, которые никогда не изображались раньше, таких как туман крестьянского дыхания, дым из трубы, шаги на снегу, облака в небе и тени на земле.

Сцена из известного светящегося молитвенника

Резюме урока

Подведем итог: готическая живопись в Северной и Южной Европе шла двумя совершенно разными путями. На юге живопись оставалась важной формой внутреннего убранства.Великие итальянские мастера готики, такие как Дуччо, Джокко и Лоренцетти, получили заказ на роспись фресок и алтарей изысканного качества. На Севере витражи были основным видом внутреннего убранства. Живопись отнесли к иллюминации книг. Тем не менее, несмотря на разные пути, художники как северной, так и южной готики в конечном итоге продвинулись к большему реализму и медленному, но неуклонному овладению перспективой.

Результат обучения

После просмотра видеоролика о готической живописи учащиеся должны уметь:

  • Узнавать разные пути готического искусства в северной и южной Европе
  • Определить фрески и фрески мастеров итальянской готики
  • Обсудить витражи и освещение, выполненные в Северной Европе
  • Откройте для себя влияние перспективы

Готическая стилизация с использованием основ иллюстрации

1.ВВЕДЕНИЕ

Успешная иллюстрация не только имеет уникальный стиль, но и сочетает в себе хорошую композицию, форму, форму, цвет и ценность. Понимание важности этих элементов поможет создать произведение, которое оставит неизгладимое впечатление на зрителя и успешно передает идею, которую вы хотите проиллюстрировать.

В этом уроке я расскажу об этих элементах в моих собственных работах и ​​о том, как я включаю их в свой стиль.

2.Предмет иллюстрации

Что ты рисуешь? Обдумайте свой выбор визуального стиля

Во-первых, я должен решить, что я хочу нарисовать, объект, детали и фон. Поскольку мне нравится готическая викторианская эстетика, для иллюстрации, которую я иллюстрирую, я выбрала темную женщину-призрак, проходящую под какими-то древними руинами. На вершине арки маленькие существа смотрят на нее сверху вниз.

3. Концепции мозгового штурма

Уникальная визуализация идеи

Чтобы подготовиться к работе, я начинаю с нескольких очень грубых набросков.Независимо от того, имеете ли вы дело с людьми, монстрами или даже животными, важно понимать анатомию вашего объекта и то, как он движется. Таким образом, вы сможете уверенно изменить их позицию, пока будете обдумывать свою фигуру, если это необходимо.

Движение в иллюстрации важно, потому что я должен учитывать, как взгляд зрителя будет перемещаться по изображению, чтобы он улавливал все детали и чувствовал себя вовлеченным в произведение. Вы должны быть уверены, что даже если сцена довольно спокойная, ваша работа не будет казаться застойной.Я добиваюсь этого довольно простым способом, например, показывая фигуру, которая делает шаг, и падающие листья идут по диагонали по странице, а не падают прямо вниз.

4. Исследования

Вдохновение для иллюстрации; сбор справочного материала

Пока я все еще размышляю, я провожу исследование некоторых деталей произведения, таких как разрушенная арка и драматическое платье по главной теме.Мне также нравится искать изображения, которые вызывают то же чувство, которого я хочу достичь в своей работе. Я люблю мрачную, готическую, фэнтезийную эстетику, поэтому драматическая драпировка и элегантные позы очень важны в моей работе. Меня очень вдохновляют иллюстраторы Золотого века, такие как Артур Рэкхэм, Эдмунд Дюлак, Джон Бауэр и Ида Рентул Аутуэйт. Мне нравится их игривость и элегантность в их произведениях, особенно в сочетании с более темными сюжетами, такими как ведьмы и монстры из сказок.

5. Исследования

Определение формы каждого предмета и деталей на иллюстрации и понимание того, как они помогают рассказать общую историю предмета

Я стараюсь рисовать отдельные предметы для пьесы по отдельности и часто в нескольких вариациях, пока не добьюсь формы, которая мне нравится.

6. Набросок

Исходный состав для готовой детали

Когда я дохожу до стадии финального наброска, я начинаю с грубой раскладки персонажей в композиции, а затем медленно оттачиваю каждую деталь костюма, лица и фона.Мой стиль очень угловат, что помогает создать мрачную готическую атмосферу произведения, и мне нравится, что драпировка имеет некоторую основу и вес.

7. Текстура и оттенок

Заключительные линии, акварель и добавление стоимости

Я рисую финальную краску на чистом листе бумаги и применяю акварельную размывку для текстуры и растушевки. Я обычно держу его серым с помощью разбавленной черной акварельной краски. Когда он высохнет, я сканирую его и в цифровом виде работаю над оттенками и цветом, чтобы подготовить изделие к цвету.Определение значений на ранней стадии в градациях серого помогает увидеть контраст в изображении.

8. Цвет

Доработка цветов.

Окончательные цвета применяются с помощью инструментов выбора и оттенка и насыщенности, цветового баланса и уровней. Чтобы выбрать и раскрасить каждую деталь, нужно время. Некоторые детали отодвинуты назад с помощью менее насыщенных цветов, другие — с более темными, более насыщенными цветами. Мне нравится, когда некоторые детали выделяются плашечным цветом, например малиновым, оливково-зеленым или ржаво-оранжевым, потому что мне нравится осенний «винтаж», который вызывают эти цвета.

9. Final Piece

Мои финальные части в конечном итоге сглаживаются, а затем я использую инструменты оттенка, насыщенности и цветового баланса, чтобы сделать тонкую настройку цвета, и я буду использовать уровни для настройки тонов. В конце концов, мне нравится, когда в моей работе есть хороший контраст, с акцентом на сюжеты произведения, особенно на их лице или языке тела.

10. Заключение

В то время как моя работа действительно основана на сильном влиянии иллюстраторов эпохи Золотого века и викторианской эстетики, моя работа в целом относится к жанру причудливого фэнтези, потому что мне действительно нравится исследовать сверхъестественные предметы! Монстры, призраки и всевозможные странные фантастические существа появляются почти во всех моих работах, и мне нравится показывать юмористическую или романтическую сторону этих персонажей, при этом воплощая темный, готический стиль.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *